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Jurassic Park Trilogie

2012-01-22T10:20:00.004+01:00

Jurassic Park: Dramaturgisch nahezu perfekter Spielberg-Klassiker mit toller Dramaturgie und vielen Wow-Momenten speziell in der ersten Filmhälfte. 9 von 10 Punkten

Vergessene Welt: Jurassic Park: Eine würdige Fortsetzung mit einigen Längen und weniger Charme, die dafür mit einigen tollen Actionsequenzen und Effekten punkten kann. 7 von 10 Punkten

Jurassic Park 3: Der dritte Teil der Saurier-Trilogie macht auch ohne der Romanvorlage und ohne Spielberg am Regiestuhl wenig falsch und überzeugt mit sympathischen Charakteren und smarten Dinos. 8 von 10 Punkten

The Human Centipede

2012-01-22T10:16:00.001+01:00

Es gibt Horrorfilme, die zwischen B-Movie undHollywood-Hochglanz-Produktionen angesiedelt sind. Nennen wir sie mal B+Movies. Unterschiedliche Quellen machten mich auf „The Human Centipede – First Sequence“aufmerksam. Der „Menschliche Tausendfüßler“ ist nicht etwa ein mutiertesKrabbeltier. Nein, ein Chirurg in Rente hat sich in den Kopf gesetzt, dreiMenschen jeweils an Mund und Popo zu einem Tausendfüßler zusammenzunähen. DieseGrundidee kann man zu Recht als bizarr oder krank bezeichnen. Fast überraschend ist dabeiaber eines: Der Film ist gut! Warum?

Gleich zu Beginn fällt auf, dass der Film solide produziertund inszeniert wurde. Schauwerte ala Hollywood gibt es freilich nicht zu sehen,aber nichts wirkt trashig. So ist alles in sich stimmig, Regisseur undProduzent Tom Six hat sich ordentlich ins Zeug gelegt, um richtig Stimmung undGrusel auf die Leinwand zu bringen. Der Clou an der Inszenierung ist aber, dassSix sich, vielleicht gerade aufgrund der gewagten Thematik, in Sachen Goreweitgehend zurückhält. Horror erzeugt er mit der Vorstellungskraft des Zusehersund den soliden Schauspielern, allen voran der deutsche Dieter Laser alsPsycho-Chirurg Dr. Heiter. Er spielt meist zurückhaltend, kommt aber punktuell völligin Rage – Klaus Kinski lässt grüßen.

The Human Centipede ist ein spannender, beunruhigender,unangenehmer und ekelhafter Film. Bemühte Schauspieler, klassische Dramaturgie,hohe Produktionswerte und genau die richtige Portion Horror führen zu einemhochwertigen Nischenprodukt, das man gesehen haben sollte.

8 von 10 Punkten

Dass der Film bereits einen hohen Bekanntheitsgrad sowie einen gewissen Kultfaktor erlangt hat zeigt sich auch darin, dass eine Southpark-Folge offensichtlich darauf Bezug nimmt:

Vampir Hunter (The last sect)

2012-01-05T15:29:00.001+01:00

Nicht übel gespielter Vampir-B-Movie mit David Carradine, der mich ob seiner langweiligen Inszenierung zum frühzeitigen Abschalten zwang.

2 von 10 Punkten

Der Mandant

2012-01-01T18:19:00.000+01:00

Mit Matthew McConaughey und anderen bekannten Gesichtern sehr gut besetzter Justizthriller, der Genrefans durchaus gefallen dürfte.

7 von 10 Punkten

Die Schlümpfe

2011-12-30T11:05:00.000+01:00

Kindgerechte Animations-Realverfilmung mit Reisßbrett-Story, einigen Schmunzlern und einem ziemlich gelungenen Gargamel.

6 von 10 Punkten

The Green Lantern

2011-12-30T11:00:00.000+01:00

Eine langweilige, mit guten Effekten völlig überladene Comic-Verfilmung, der es an Charme, Schauspiel und vernünftigen Dialogen fehlt.

4 von 10 Punkten

Planet der Affen: Prevolution

2011-12-30T10:54:00.002+01:00

Als bisheriger Planet der Affen-Verweigerer eignet sich dieser berührende, gut gespielte sowie getrickste Film perfekt als Einstiegsdroge.

8 von 10 Punkten

Gott des Gemetzels

2011-12-10T22:11:00.001+01:00

Dramatisch-komödiantisches Kammerspiel, in dem Polanski durch die einfache Inszenierung (zu Recht) ganz auf Situationskomik und sein Top-Ensamble setzt.

8 von 10 Punkten

The King's Speech

2011-12-04T14:04:00.001+01:00

Regisseur und Darsteller (allen voran Colin Firth als stotternder britischer König) wurden zu Recht mit Filmpreisen für dieses kleine, einfühlsame Meisterwerk überschüttet.

9 von 10 Punkten

Bad Teacher

2011-12-04T13:59:00.001+01:00

Eine bitterböse Komödie über eine Anti-Lehrerin mit Cameron Diaz, Justin Timberlake und Jason Segel derart an die Wand zu fahren ist eine reife Leistung.

4 von 10 Punkten

In Time

2011-12-04T13:50:00.001+01:00

Atmosphärischer, stimmiger und reduzierter SF-Thriller, den ich trotz einiger Längen weiterempfehlen möchte.

7 von 10 Punkten

Jetzt neu: Der Einzeiler

2011-12-04T13:44:00.001+01:00

Gerade im Vorweihnachtsstrett bleibt oft keine Zeit für Filmkritiken. Damit mein Filmtagebuch am Leben bleibt führe ich heute eine neue Kategorie ein: Den "Einzeiler". Die Filmkritik in einem Satz mit Punktewertung.

Der unglaubliche Hulk

2011-11-06T20:17:00.002+01:00

Vorwort: 8 Jahre sind bereits ins Land gezogen, seit Ang Lee seinen „Hulk“ vom Stapel gelassen hat. Ein sperriger Film, der sich (bei unfassbar langer Gesamtlaufzeit) ewig lange an wissenschaftlicher Fachsimpelei ergötzt und mit allen Hollywoodkonventionen bricht. Nur, um dann im Finale Action abzufeuern, die ihresgleichen sucht. Bei Halbzeit verärgert, beim Abspann entzückt gebe ich dem 2003er-Hulk 7 von 10 Punkten.

Der unglaubliche Hulk aus dem Jahr 2008 kommt da schon wesentlich bekömmlicher daher. Hier findet klassiches Hollywood-Actionkino statt – ohne aber unseriös zu werden. Drehbuch und Dramaturgie sind zwar gefälliger, dafür schafft man durch die hochwertige Besetzung die nötige Ernsthaftigkeit. Edward Norton, einer meiner Lieblingsschauspieler, spielt den gezeichneten Bruce Banner sehr solide. Persönlich bedanken möchte man sich dann aber bei demjenigen, der es arrangiert hat, dass Tim Roth den Bösewicht spielt – einen der drahtigsten, bösartigsten und verbissensten Schurken, den es in letzter Zeit auf der Leinwand zu bewundern gab.
Der unglaubliche Hulk hat eine perfekte Lauflänge und wird (fast) nie langweilig, hält stets ein gutes Tempo. Danken muss man an dieser Stelle natürlich Regie-Durchstarter Louis Leterrier (Transporter, Unleashed). Die Actionszenen sind von atemberaubender Wuchtigkeit. Die Inszenierung ist ebenso brachial wie die Figur des in Rage geratenen grünen Mannes selbst. Aus dem Experimental-Hulk 2003 wurde 2008 schließlich ein hochwertiger Popcorn-Streifen in Perfektion das, so finde ich, weniger Aufmerksamkeit generiert hat als er verdient hätte.

8 von 10 Punkten

It's kind of a funny story

2011-11-06T13:48:00.001+01:00

It's Kind of a Funny Story spielt in einer Nervenheilanstalt. Der depressive Teenager Craig suchte wahlweise Medikamente oder Aufmerksamkeit im Krankenhaus. Ehe er sich’s versieht (wir kennen das alle) hat er sich selbst in die psychiatrische Abteilung eingewiesen. Und das, obwohl er kein tragischeres Schicksal vorweisen kann als viele andere auch. Aber jetzt ist er da und bleibt auch gleich ein paar Tage zur Beobachtung.

Der Film spielt also in einer „Nervenheilanstalt“. Zugegeben, die Erklärungen für diese Ausgangslage sind etwas dünn – aber dessen ist sich der Film bewusst, also alles im grünen Bereich. Die Schauspieler sind gut ausgewählt (u.a. Zach Galifianakis mal in einer ernsthaften Rolle) und die dargestellten Charaktere sympathisch. Besonders schön an It’s kind of a funny story ist der positive Grundton. Ernste Themen werden stets mit einem Augenzwinkern behandelt. Wem Filme wie Einer flog über’s Kuckucksnest gefallen, der wird an diesem leichten, lebensbejahenden Drama seinen Gefallen finden. Quasi Kuckucksnest-Light – und eine zuckersüße Liebesgeschichte gibt's obendrauf. Ein Geheimtipp!

8 von 10 Punkten

Priest

2011-11-01T20:27:00.001+01:00

Wow, was war das denn? Ein unfassbarer Genremix und soviele zusammengewürfelte Szenarien, dass es für 10 Filme gereicht hätte. Priest vermischt Blade Runner-Steampunk-Science Fiction, Mad Max, religiöse Aspekte a la Equilibrium, Fights aus Matrix, Vampir-Monster und Westernelemente.
Der visuelle Overload beschäftigte (und unterhielt) mich eine halbe Stunde lang und das Szenario rund um in Vergessenheit geratene Anti-Vampir-Einmannarmeen reizt mich durchaus. Dann tritt ein Gewöhnungseffekt ein und ich beginne, mich auf Story, Schauspieler und Dramaturgie zu konzentrieren.

Doch da ist leider nichts.

„Wasteland“ heißt im Film die Ödnis außerhalb der Metropolen. Ödnis auch beim Zuseher. Blickt man hinter die Fassade, so ist Priest im wörtlichen wie auch im übertragenen Sinne blutleer. Man wollte die Zuseher insgesamt doch nicht zu sehr überfordern. Der Showdown auf einem Zug voller Vampir-Kreaturen war nochmal ganz nett. Ansonsten war Priest nicht mehr als ein netter Versuch. Was zu viel ist, ist eben doch zu viel.

4 von 10 Punkten

The Green Hornet

2011-10-30T22:28:00.002+01:00

Britt Reid ist von Beruf Sohn. Mangels anderer Perspektiven ernennt er sich selbst zu einer Art Superheld. Da Britt ein Loser ist, wäre er nichts ohne seinen wortkargen aber (kampf-) technisch versierten Sidekick Kato.

Seth Rogen spielt den an Selbstüberschätzung leidenden Reid aka Hornet, Christoph Waltz amüsiert als Chudnofsky, seines Zeichens Drogenbaron und Antagonist. Chudnofsky arbeitet intensiv an seinem Bad Boy Image und ist herrlich schräg drauf – schade, dass er nicht mehr Screentime bekommen hat.

Superheldenkonventionen und –klischees werden in The Green Hornet charmant auf die Schippe genommen. Besonders die Dialoge zwischen Held und Sidekick bzw. zwischen Bösewicht und seinen Schergen sind ziemlich gelungen. Die Action ist fetzig inszeniert, Kampfszenen einfallsreich choreographiert und das Superhelden-Gefährt spielt alle Stückeln.
Meine Lieblingsszene: Reid und Kato, eigentlich Buddies wie sie im Buche stehen, lösen eine Meinungsverschiedenheit – mit roher Gewalt. Sie prügeln sich gegenseitig das Hirn raus und zerlegen dabei ein ganzes Haus in Schutt und Asche. Die Szene erinnert irgendwie an Tom und Jerry. Sie können nicht miteinander, aber ohne einander auch nicht.

Regisseur Michael Gondry (einigen vielleicht bekannt durch die kleine feine Komödie Abgedreht) inszeniert diesen vielleicht nicht bahnbrechenden, aber irgendwie sympathisch anderen Action/Superheldenfilm. Die Handlung reißt leider keine Bäume aus, Überraschungsmomente gibt es quasi keine. Aber ein solider Popcorn-Film ist die grüne Hornisse allemal geworden.

7 von 10 Punkten

The Fighter

2011-10-26T23:06:00.004+02:00

Angeblich soll Christian Bale auf Filmsets eine Diva sein. Bei den konstant grandiosen Leistungen die der Charakterdarsteller mit jedem Film abliefert darf er sich das meiner Meinung nach auch leisten. Vom Fabrikarbeiter bis zum Superhelden (Batman) – jede Rolle ist bei ihm in besten Händen. Diesmal mimt er (neben dem immer mehr in meiner Achtung steigende Mark Wahlberg) einen Boxer … and nailed it again!

The Fighter beschreibt (basierend auf einer wahren Geschichte) das Leben zweier Brüder und deren Karrieren als Boxer. Der Schwerpunkt dieses Sportfilms/Dramas liegt aber eindeutig am dramatischen Aspekt. Familie, Partnerschaft und Karriere gehen leider nicht immer Hand in Hand und so kommt es immer wieder zu durchaus nachvollziehbaren Auseinandersetzungen.

Regisseur David O’Russel (Three Kings) hatte den dankbaren Job, einen Film aus dem immer wieder gerne gesehenen Genre des Sport- bzw. Boxer-Films mit einem umwerfenden Cast inszenieren zu dürfen. Und durch die solide und dezente Inszenierung ist der Zuseher ganz nahe an den Protagonisten dran. Die Aufmerksamkeit gilt ganz den Protagonisten beziehungsweise deren Darstellern. Und so kam es zum Unvermeidlichen -einem grandiosen Film. Sehenswert!

9 von 10 Punkten

Die Legende der Wächter

2011-10-23T23:39:00.003+02:00

In meiner Kritik zu Sucker Punch habe ich bereits zum Ausdruck gebracht, dass Zack Snyder nicht unbedingt mein Lieblings-Filmemacher ist. Mit Die Legende der Wächter sammelt er allerdings sehr viele Pluspunkte!

Der Film über die Eulenkrieger ist nicht weniger als der visuell hochwertigste und beeindruckendste Animationsfilm den ich jemals gesehen habe. Ich bin nun wirklich kein großer Fan des derzeit stattfindenden 3D-Hypes. In diesem Fall würde ich aber am liebsten die Zeit zurückdrehen und eine Kinokarte für die 3D-Version des Films lösen – das muss ein überwältigendes Erlebnis gewesen sein, denn schon die 2D-Blu-Ray ist ein wahrer Augenschmaus.

Die Legende der Wächter ist zwar wie gesagt ein Animationsfilm, aber nicht wirklich kindertauglich. Zu martialisch, gruselig und aufwühlend sind Story und Inszenierung über weite Strecken. Umso besser für mich. Die Kampfszenen sind spektakulär, die Figuren (nicht nur animationstechnisch) liebevoll gestaltet und auch Humor kommt nicht zu kurz. In Punkto Pathos übertreibt es Snyder zwar (wieder einmal), die Story ist stellenweise etwas eigenwillig, alles in Allem hat mich dieser wunderbar „andere“ Animationsfilm aber überzeugt.

8 von 10 Punkten

Prince of Persia: Der Sand der Zeit

2011-10-23T22:56:00.001+02:00

Prince of Persia zählt zu den besseren Computerspiele-Verfilmungen die ich bis jetzt gesehen habe. Ich finde es im Falle von Prince of Persia gut, dass sich Disney der Produktion angenommen hat. Vielleicht vermittelt der Film nämlich gerade wegen der Beteiligung des Mickymaus-Konzerns eine Art „Indiana Jones-Feeling“. Damit meine ich große Abenteuer, tolle Stunts, halbwegs kindergerechte Action und auch einen charmanten Studio-Look – man fühlt irgendwie, dass die Umgebung nicht 100% real ist und man sich in (durchaus aufwändig gestalteten) Studiokulissen befindet. Das stört aber nicht und passt irgendwie zum Genre. Gepaart mit realistischen bis stilisierten Computereffekten/Hintergründen ergibt das einen tollen, märchenhaften Look. Die Kameraführung orientiert sich auch an alten Werten und bleibt meist ruhig, zeigt die Sets und die Action oft in Totalen, weiß aber dennoch, wann sie nahe am Geschehen sein muss.

Als Kenner der Spiele fallen bei aller Unabhängigkeit des Films einige Parallelen zu selbigen positiv auf: Tolle Akrobatikeinlagen und die Story rund um einen zeitumkehrenden Sanddolch samt nervtötend frecher, pseudo-emanzipierter Prinzessin greifen die Grundideen von Prince of Persia auf. Die Story an sich (Königshaus, Verrat, Thronerbschaft, Bruderliebe) ist nicht gerade prickelnd, fällt dank der soliden Akteure (u.a. Ben Kingsley) aber nicht sehr negativ auf. Den Prinzen selbst spielt Jake Gyllenhall. Ich mag Gyllenhall aus Filmen wie Donnie Darko oder The Day After Tomorrow. Und er hat auch etwas Spitzbübisches an sich, das gut zu der Rolle des Prinzen Dastan passt. Aber die Gesamterscheinung will nicht passen – gar nicht. Man gewöhnt sich zwar daran, muss zu Beginn des Films ob dieser gewagten Besetzungsentscheidung schmunzeln. Gyllenhall wirkt körperlich aufgeblasen, als hätte man seinen Kopf auf den Körper eines Bodybuilders geschraubt. Ich meine überhaupt, dass jeder andere Schauspieler mit Haarverlängerung und Dreitagebart besser in diese Rolle gepasst hätte als Gyllenhall. Aber seine sympathische Art lässt selbst dieses Manko fast vergessen. Insgesamt ein überdurchschnittlicher Abenteuerfilm. Wer hätte das gedacht?

8 von 10 Punkten

Der Adler der Neunten Legion

2011-10-23T00:57:00.003+02:00

Marcus Aquila möchte die Ehre seiner Familie wieder herstellen. Sein Vater verlor angeblich die Standarte (= Adler) der neunten Legion. Anscheinend ein Riesenskandal damals – die spinnen die Römer.

Markus ist ein ganz lieber und nimmt seinen persönlichen Sklaven mit auf sein Himmelfahrtskommando zur Rückeroberung des Adlers. Gut, dass er immer lieb zu Selbigem war. Die beiden wagen sich nämlich bald in den „gefährlichen Norden“ vor *grusel* und mopsen sich den Adler von den Angehörigen eines wilden Stammes. Der Sklave ist Angehöriger eben dieses Stammes (Zufälle gibt’s), hält aber trotzdem zu seinem Römer-Kumpel.

Ich hatte anscheinend eine böse Vorahnung – seit Wochen habe ich „Der Adler der Neunten Legion“ auf meiner Warteliste und ihn immer wieder übergangen. Zu Recht, wie sich herausgestellt hat. Der Film ist leider sehr gewöhnlich und … langweilig. Abgesehen von ein, zwei netten Szenen sehen wir Durchschnittlichkeit soweit das Auge reicht. Regisseur Kevin Macdonald (Der letzte König von Schottland!!!) vermag es nicht, diesem Werk Ecken und Kanten zu verpassen. Channing Tatum (Step Up) unterstreicht durch seine Emotionslosigkeit die Mittelmäßigkeit dieses Machwerks leider auch noch. Und was macht eigentlich Donald Sutherland in diesem Film? (Der treibt sich in letzter Zeit in vielen fragwürdigen Filmen herum … ) Positiv: Nach den für dieses Genre kurzen 114 Minuten ist auch schon Schluss. Den Göttern sei Dank!

4 von 10 Punkten

127 Stunden

2011-10-23T00:45:00.005+02:00

Aron Ralston ist ein Tausendsassa, Abenteurer und Kletterer, der 2003 in Utah in einem Canyon festhängt. Der von ihm gelöste Felsbrocken klemmt seine Hand ein. Nach fünf Tagen voller Entbehrungen, Schmerzen, Tagträumen und Wahnvorstellungen hilft nur noch eins: Arm ab! Mit frisch abgetrenntem Unterarm schleppt er sich weit genug, dass er bemerkt und schließlich gerettet wird.

Die Geschichte hat viel Potential, doch sind Zweifel hinsichtlich einer überzeugenden Verfilmung durchaus angebracht. Kino ist ein audiovisuelles Medium. Und in einer Felsspalte gibt es weder viel zu hören, noch zu sehen. Da muss ein guter Regisseur ran. Und der wurde gefunden!

Danny Boyle (The Beach, 28 Days Later, Slumdog Millionaire) hat sich der Verfilmung des Stoffes angenommen und voll in’s Schwarze getroffen. In 127 Stunden stimmt alles. Bildsprache, Kameraarbeit (tolle Blickwinkel!), Spitzensoundtrack, gute Postproduction (u.a. der beste Split-Screen-Einsatz aller Zeiten) und eine Prise Humor ergeben unterhaltsame 90 Minuten. Nicht zuletzt auch wegen des talentierten Hauptdarstellers James Franco (Spiderman). Es ist schön, dass sich Hollywood auch an so „schwierigen“ Geschichten (siehe hierzu auch den sehr guten Buried) heranwagt!

8 von 10 Punkte

Wasser für die Elefanten

2011-10-17T22:34:00.004+02:00

Regie: Francis Lawrence

Darsteller: Christoph Waltz, Robert Pattinson, Reese Witherspoon
alle Details zu Wasser für die Elefanten auf IMDB.de

Manege frei!

„Ladies und Gentlemen und Kinder jeden Alters. Willkommen zur extravagantesten Extravaganca, die das menschliche Auge jemals sah. Begrüßen Sie die Stars der ‚Benzini Brothers’ in der spektakulärsten Show der Welt!“, so begrüßt der Zirkusdirektor am Beginn jeder Vorstellung das Publikum. Wasser für die Elefanten ist weder extravagant, noch besonders spektakulär – und konnte dennoch überzeugen.

"I don’t know if I picked that circus. But something told me that circus picked me."

Wenn ich mir das bisherige Schaffen von Regisseur Francis Lawrence vor Augen führe sehe ich da Musikvideos und Kinofilme der Marke „okay“ bis „nett“ (Constantine, I am Legend). Fernab von Vampiren und Endzeit-Szenarien widmet sich Lawrence der Unterhaltungsindustrie zur Zeit der Prohibition - genauer gesagt dem Zirkusleben.

Jacob (Robert Pattinson) ist angehender Tierarzt und bricht nach einem Schicksalsschlag alle Brücken ab. Ehe er sich’s versieht befindet er sich am Zirkuszug der Benzini Brothers. Der Zirkusdirektor (Christoph Waltz) setzt ihn schließlich als Tierarzt und Pfleger für die neue Hauptattraktion, Elefantendame Rosie, ein. Hinzu kommt eine heimliche Romanze zwischen Jacob und der jungen Frau des Zirkusdirektors. Einblicke in den harten aber magischen Zirkusalltag runden das Ganze ab – mehr Story gibt es nicht - und braucht es auch nicht.

Die Hauptrollen sind interessant besetzt. Robert Pattinson spielt Jacob in etwa so wie seinen Twilight-Vampir. Ein bisschen mehr Emotion hätte die Rolle durchaus zugelassen. Aber lieber etwas zu viel Zurückhaltung als übertriebene Gefühlsduselei. Reese Witherspoon passt nur optisch perfekt in`s Szenario - ansonsten ist mir Reese mit ihrem prüden und glatten Image schon immer unsympathisch gewesen. Und mit dieser Schauspielleistung gewinnt man leider auch keinen Blumentopf. Christoph Waltz (meine Hauptmotivation den Film überhaupt anzusehen) ist mit seinem Parade-Bösewicht wieder über jeden Zweifel erhaben. Von Waltz‘ Figur geht stets eine latente Bedrohung aus. Und so manche Szene spielt er wieder so intensiv, dass mir richtig mulmig zu Mute wurde.

Wasser für die Elefanten ist ein romantisches, nicht allzu schwerfälliges Drama mit Liebesgeschichte und viel Glamour. Die Magie der Zirkuswelt ist stets spürbar, das Geschehen ist stimmungsvoll und passend in Szene gesetzt. Nebendarsteller, Ausstattung und (vor allem zum Schluss) Effekte ergeben ein schönes Gesamtbild.

Dieser verträumte, altmodische Film kann eigentlich nur auf einem Medium seine ganze Wirkung entfalten: der Kinoleinwand. Für das Heimkino rate ich daher: Nehmt euch Zeit, zieht die Vorhänge zu und taucht ein in die Welt der Benzini Brothers.

8 von 10 Punkten

The Mechanic

2011-10-16T17:37:00.002+02:00

Der „neue“ Jason Statham Film ist mehr Agenten-Thriller als Actionfilm. The Mechanic ist zwar ein Remake aus dem Jahr 1972, dennoch wurde diese Filmversion (wie andere Statham-Filme auch) auf Bruce Willis 2.0 maßgeschneidert.

Statham spielt erneut seine Paraderolle: einen wortkargen, professionellen aber dennoch sympathischen Auftragskiller. Diesmal aber weniger im Rahmen eines Actionfilms - The Mechanic ist ein Agententhriller mit Actionelementen. Die Storyschreiber haben sich nicht allzu weit aus dem Fenster gelehnt – Überraschungen gab es für mich leider keine.

Dass der Film eine sehr konservative Bildsprache aufweist ist nicht etwa sein Todesstoß – im Gegenteil. Sepia-Look und wenig Effekthascherei erzeugen ein angenehmes Oldschool-Feeling. Ein weiterer Pluspunkt des Films ist Ben Foster – er überzeugt als Statham’s Protégé und Nachwuchs-Profikiller. (Psst, nicht weitersagen: er spielt Statham an die Wand.)

Alles in allem ein unterhaltsamer Agentenfilm, der eher zwischen den Zeilen punktet.

7 von 10 Punkten

Red Riding Hood

2011-09-24T21:20:00.001+02:00

Amanda Seyfried (Mamma Mia!) als Rotkäppchen und Gary Oldman als Wolfsjäger. Da läuft mir das Wasser im Mund zusammen. Doch Wolf und Film haben gestutzte Krallen ...

Im Kern ist Red Riding Hood ein Mystery-Krimi, der die Twilight-Zielgruppe bedienen will. Im Vordergrund steht bis zum Schluss die Frage, welcher Dorfbewohner der Werwolf ist. Der Zuseher bleibt bis zum Schluss im Unklaren – und das ist gut so. Denn das stimmige Setting und das Rätselraten nach dem „Mörder“ sind die Hauptgründe, die für diesen Film sprechen.

Aber all die Atmosphäre hilft nichts, wenn der Krimikern mit einer Twilight-Lovestory umwickelt wird. Und wer (so wie ich) Horror-Elemente erwartet hätte, der wird bitter enttäuscht. Der Film könnte ohne weiteres ab 6 Jahren freigegeben werden. Amanda Seyfried spielt ihre Rolle gut, Gary Oldman durfte schon mal mehr von seinem Können zeigen. Die Rotkäppchen-Anspielungen im Letzten Filmdrittel wirken aufgesetzt und entpuppen sich als Marketinggag für einen sonst wenig herausstechenden Film.

Was bleibt ist ein recht zahmes Werwölfchen für Teenies.

6 von 10 Punkten

Der letzte Tempelritter

2011-09-18T15:55:00.005+02:00

Zwei Kreuzritter sehen in den religiös motivierten Kreuzzügen keinen Sinn mehr und kehren den Schlachtfeldern ein für allemal den Rücken. Wenig später werden sie als Deserteure eingesperrt. Es besteht jedoch eine Chance auf Absolution - sie sollen eine vermeintliche Hexe, die man als Ursache für die Pest sieht, von A nach B eskortieren. Dabei gibt es naturgemäß einige Abenteuer zu bestreiten. Doch ist die junge hübsche Frau überhaupt eine Hexe? Wer bis zum Ende durchhält wird es erfahren!

Der letzte Tempelritter ist ein düsteres Mittelalter-Roadmovie mit Mystery-Elementen, aber ohne nennenswerte Höhepunkte. Lichtblicke sind Nicolas Cage (passend) und Ron Perlman (noch passender) in den Hauptrollen. Alle anderen Wegbegleiter sind nur Beiwerk, das früher oder später den Löffel abgibt. Die dezent eingesetzten Mysteryelemente werden zum Schluss zugunsten einer expliziteren Darstellung aufgegeben. Schlussendlich wird wenig der eigenen Fantasie überlassen - sogar der Beelzebub höchstpersönlich zeigt sich im "großen" Finale inklusive Exorzismus.

Der Film wurde teilweise in Österreich gedreht und spielt auch in unseren Breitengraden. Season of the Witch, so der sinnvollere Originaltitel, ist kein B-Movie und hat durchaus hohe Produktionswerte zu bieten. Allerdings mangelt es an einer interessanten Geschichte, Spannung und dem gewissen Etwas, um diesen Film aus der Mittelmäßigkeit zu holen.

5 von 10 Punkten

Arthur

2011-09-11T20:14:00.002+02:00

Der Film handelt von einem König, der seinem Sohn die Rute ins Fenster stellt. Er will dem verwöhnten Prinzen sein Königreich nämlich nur dann vermachen , wenn er eine wohlerzogene Prinzessin aus gutem Hause ehelicht. Die Prinzessin aber ist gefühlskalt und so verliebt sich der Prinz in eine Bürgerliche und die Zweckheirat scheitert schließlich an der wahren Liebe. Das ist die Handlung von Arthur...wenn man einige Korrekturen vornimmt...

König = superreiche Firmenchefin
Königreich = Milliarden $ Firmenimperium
Prinz = verwöhntes, exzentrisches Milliardärssöhnchen
Prinzessin = Tochter eines Baumagnaten

Russel Brand spielt sich wieder mal selbst - einen absoluten Exzentriker. Die Figur erinnert an Michael Jackson: reich, exzentrisch, im Herzen ein Kind. Der Film steckt voller verrückter Ideen, um Arthur’s Lebensstil zu illustrieren. Arthur ist aber dennoch kein Schenkelklopfer erster Güte bleibt aber erstaunlicher Weise fast familientauglich stets oberhalb der Gürtellinie. Tiefe bekommt der Film durch die Rolle von Arthur’s Nanny – großartig gespielt von Helen Mirren. Sie verleiht dem Film die nötige Wärme, gegen Ende hin wird’s sogar ein bisschen dramatisch. Schließlich zeigt sich, dass das Milliardärssöhnchen das Herz ebenso am rechten Fleck hat wie auch der Film an sich. Russel Brand prägt schon ein eigenes Filmgenre, er spielt immer den gleichen Typen – in verschiedenen Nuancen natürlich. Und wer diese Filme mag wird auch hier wieder gut bedient.

7 von 10 Punkten

Eat, Pray, Love

2011-09-11T19:09:00.000+02:00

Eat, Pray, Love scheint ein romantischer Film zu sein. Ich sage „scheint“, weil ich nur die ersten 20 Minuten gesehen habe und dann abbrechen musste.

Ich kann also nicht mit Sicherheit sagen, wie sich dieser Film entwickelt hätte. Zu sehen gab es eine Frau, die gerade eine Scheidung durchmacht und recht bald vor ihrem Bett kniet und betet. Außerdem scheint sie eine Reise nach Italien zu erwägen. Der Filmtitel scheint also keine Metapher zu sein. Nein, hier wird anscheinend wirklich gebetet…und gegessen (in Italien?)…und natürlich geliebt. Eigentlich schon genug, um den Film als Schlaftablette (und damit auch als Zeitfresser) abzustempeln. Dann ist da aber auch noch Julia „Breitmaulfrosch“ Roberts - Nein, danke, das war's. Aus Fairnessgründen möchte ich aufgrund meiner „Filmflucht“ keine Wertung vergeben.

Hereafter - Das Leben danach

2011-08-28T19:38:00.003+02:00

Clint Eastwood hat sich in den letzten Jahren als seriöser Regisseur dramatischer Stoffe bewiesen. So auch in seinem neuen Werk Hereafter, das zwar nicht an seine Kriegsdramen oder an den großartigen Gran Torino heranreicht, mich aber dennoch in seiner Schlichtheit überzeugen konnte.

Nun ja – Schlichtheit abgesehen vom Anfang des Films. Da führt nämlich eine Tsunamiwelle zur Nahtoderfahrung der ersten Hauptfigur im Film. Der Einschlag der Welle ist perfekt inszeniert – wie in einem hoch budgetierten Actionfilm. Dies ist hier aber nur der (erfolgreiche) Versuch des Regisseurs, gleich zu Beginn die Aufmerksamkeit des Zusehers zu erhalten. Ab dann regieren aber die leisen Töne.

Hereafter zeigt uns drei Geschichten in drei verschiedenen Ländern. Die beschriebene Nahtod-Erfahrung geschieht einer Französin im Urlaub. Ein Junge aus England verliert seinen Zwillingsbruder. Und ein Amerikaner, der als Medium wider Willen mit Toten kommuniziert. Das große Überthema des Films ist der Tod an sich. Und die drei Einzelschicksale beleuchten verschiedene Facetten des Todes. Diese Schicksale werden (logischer Weise) zum Schluss zusammengeführt und alle Figuren treffen sich schließlich (angenehm undramatisch) im Rahmen einer Buchmesse in London.

Eastwood präsentiert uns ein ruhiges Drama, das übernatürliche Elemente enthält, aber (trotz der Thematik) nie allzu düster wird. Und trotz der langen Lauflänge wird der Film nie langweilig – die Protagonisten und ihre zwischenmenschlichen Beziehungen wecken bei mir genug Interesse, um am Ball zu bleiben. Kritisch anmerken möchte ich aber, dass ich bei einem derart intimen Thema eine gewisse menschliche Wärme vermisse.

Hereafter ist kein Meisterwerk, aber ein behutsames, einfühlsames wenn auch nicht allzu warmherziges Drama, das einen Anstoß liefert, sich mit dem „Leben danach“ auseinanderzusetzen.

7 von 10 Punkten

Paul - Ein Alien auf der Flucht

2011-08-27T22:14:00.005+02:00

Paul ist der neue Film von und mit Simon Pegg und Nick Frost. Die zwei spielen immer die netten, leicht nerdigen Typen von nebenan – man muss sie einfach lieben. So sehr sich die Protagonisten in all ihren gemeinsamen Filmen ähneln, so unterschiedlich sind die Szenarien, in denen diese stecken. Vom Zombiefilm (Shaun of the Dead) über eine Polizisten-Komödie (Hot Fuzz) bis hin zum Alien-Film (Paul). Eines haben all diese Filme gemeinsam: Sie sind tolle Komödien mit einem gewissen (britischen?) Charme. Paul kann den gewohnt hohen Standard aber nicht ganz halten …

Paul lebt hauptsächlich von einer unglaublich sympathischen Grundidee. Zwei Nerds treffen auf einem Nevada-Ufo-Sightseeing-Road-Trip auf den entflohenen Alien Paul. Und der ist wider Erwarten ein ganz netter und normaler Typ. Ein Abziehbild von einem Außerirdischen. Kein Wunder, ist doch er selbst für das Klischee der großköpfigen grünen Aliens verantwortlich.

Die Zauberformel lautet also: Pegg + Frost + Roadtrip + Alien. Und das reicht auch schon für einen unterhaltsamen Film. Allerdings hat der Film nicht so viel Biss wie man es von den Vorgängerfilmen gewohnt ist. Es gibt zwar einige abgefahrene Ideen, der Film spielt durchaus mit den Konventionen des klassischen Alienfilms – es mangelt aber dennoch ein wenig an innovativen Ideen. Aber wie gesagt: Die Grundstimmung des Films ist heiter und einige wirklich gute Gags sind auch mit dabei. Und schließlich entschädigt ein sowohl emotionales als auch humorvolles Finale dafür, dass streckenweise das humoristische Potenzial des Films nicht ganz ausgereizt wurde. Bela B (Die Ärzte) hat schon öfter als Synchronsprecher gearbeitet – und auch den fluchenden und kiffenden Paul erweckt er mit seiner Stimme gekonnt zum Leben … Bravo! Der computeranimierte Alien geht fast als vollwertiger Schauspieler durch. Seine Rolle ist „menschlicher“ konzipiert als so manche austauschbare Rolle, die von einem menschlichen Schauspieler verkörpert wird.
Der Film ist natürlich auch eine Huldigung des Alienfilm-Genres an sich. Thematisiert (aber nie veralbert) werden unter Anderem Unheimliche Begegnung der 3. Art, E.T. (Paul half Spielberg beim Drehbuch), Akte X (eine Erfindung von Paul) und Men in Black. Und dann wäre da noch ein sehr charmanter Gastauftritt einer Alien-Erprobten Schauspielerin ...

7 von 10 Punkten

Rango

2011-08-21T22:11:00.005+02:00

Regie: Gore Verbinski

Darsteller: Johnny Depp, Abigail Breslin, Bill Nighy
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Rango and Loathing in Las Vegas

Große Animationsfilme stammen in der Regel von Pixar/Disney oder Dreamworks. Nicht so bei Rango. Das Western-Abenteuer mit dem schrägen Chamäleon will in keine Schublade so recht reinpassen. Wer ist die Zielgruppe? Ich zum Beispiel. Aber reicht das?

"Know that I will always be watching you! Sometimes at inappropriate moments! That's part of the deal!"

Rango ist ein Chamäleon, das aus seinem Terrarium fällt und sich plötzlich in der Wüste wiederfindet. In seiner Einsamkeit übte sich Rango in seinem bisherigen Dasein als Schauspieler. In einer kleinen Westernstadt spielt sich Rango als Held auf, wird zum Sheriff ernannt und will herausfinden, warum das Wasser der Stadt versiegt ist. Dabei wird er vom Möchtegern-Helden zum tatsächlichen Retter einer ganzen Stadt. Klingt alles nach einem netten Kinderfilm. Rango ist aber kein Kinderfilm. Eher ein mutierter Animationsfilm für junggebliebene Erwachsene.

Die Figuren besitzen im Gegensatz zum Durchschnitts-Animationsfilm einen sehr geringen Knuddelfaktor, sind aber schön schräg und durchaus sympathisch.
Der Film ist eine einzige Hommage an das Westerngenre im Besonderen und an Filmklischees im Allgemeinen – er wird dabei aber selten spezifisch. Ausnahmen sind die Regel – so zum Beispiel die Referenz an Apocalypse Now. Der Film glänzt auch mit ein paar Halluzinations-Szenen, die aufgrund des Wassermangels/Hitzestich des Protagonisten zustande kommen. Diese erinnern nicht nur zufällig an Drogenrausch-Szenen anderer Filme. Unterstützt wird diese Drogen-Parallele auch dadurch, dass Johnny Depp Rango seine Stimme verleiht – eine perfekte Wahl übrigens! Und Rango trifft im Film sogar kurz auf die Protagonisten von Fear and Loathing in Las Vegas …
Die Huldigung von Filmen mit Kriegs- oder Drogenthematik würden Kinder wahrscheinlich nicht als Solche erkennen – die Altersfreigabe „Ab 6“ scheint dennoch relativ milde.

Wo viel Licht ist (so wie in diesem Film), da gibt es auch Schatten. Die Kritikpunkte halten sich bei Rango aber in Grenzen. Im letzten Drittel des Films nimmt die Dramatik etwas Überhand und Rango nimmt sich fast ein bisschen zu ernst. Aber nur fast. Insgesamt ist der Film dann doch durchaus stimmig. Der Humor der Filmemacher hat mich zu Beginn aber derart angesprochen, dass ich ihn zum Ende hin richtig vermisst habe.
Mir hat der Film gefallen. Unerklärlich ist mir aber, mit welchen Argumenten man diesen Film finanziert bekommen hat. Vielleicht so: „Hi, ich bin Gore Verbinski, der Regisseur von Fluch der Karibik und Johnny Depp spricht die Hauptrolle in meinem neuen Animationsfilm“ – das sollte reichen. An diesen Argumenten könnte es dann auch gelegen haben, dass dem Film das saftige Budget von 135 Mio USD zugrunde liegt. Die Animationsqualität ist daher sehr hochwertig und braucht sich hinter den großen Animationsfilmschmieden nicht zu verstecken.
Gebt Rango eine Chance, er wird euch besser unterhalten als die neuesten Disney-Animationshits, deren Erfolg ob ihrer Kinderfreundlichkeit vorprogrammiert ist und deren Unterhaltungswert für Erwachsene selten über „nett“ hinaus kommt.

8 von 10 Punkten

Gnomeo und Julia

2011-08-21T11:37:00.001+02:00

Gnomeo und Julia macht aus dem Shakespeare-Drama eine Animationskomödie im Gartenzwerg-Milieu mit Musikuntermalung von Elton John.

Es wäre vermessen zu sagen, dass hier mehr drinnen gewesen wäre - die Grundidee gibt einfach nicht mehr her. Ein kurzer, netter Film für die jüngere Zielgruppe (und Elton John Fans).

6 von 10 Punkten

HOP - Osterhase oder Superstar

2011-08-13T12:02:00.003+02:00

Mit HOP präsentiert uns der Regisseur von Alvin und die Chipmunks erneut eine Mischung aus Real- und Animationsfilm. Das Ergebnis ist in etwa dasselbe: Ein netter Animationsfilm für die ganze Familie. Nun ja – hauptsächlich für die kleineren Familienmitglieder.

Die Story von Osterhase-Junior, der nicht in die Fußstapfen seines Vaters treten will und der parallelen Handlung eines Nesthockers in der Menschenwelt, die anfangs keine Verantwortung tragen wollen und schließlich gemeinsam das Erwachsenwerden meistern ist lieb, harmlos und mit Sicherheit irgendwie pädagogisch wertvoll.

Der Film profitiert weniger von den schauspielerischen Leistungen der menschlichen Darsteller als von den putzigen Animationstieren. Die Häschen und Küken sind den Machern des großartigen Ich, einfach unverbesserlich wirklich gelungen. Besonders lustig sind dabei einige Tanzeinlagen und die kreativen Einfälle der Filmemacher innerhalb der Osterfabrik – Parallelen zu Charlie und die Schokoladenfabrik drängen sich auf, das stört aber nicht weiter.

Besonderer Bonus im Film: "The Hoff" ist mit von der Partie und spielt sich selbst. Zu Ostern ist der Film für Kids sicherlich ein Highlight. Ansonsten haben wir hier einen Film, den man sich ansehen kann, aber nicht muss. Dafür gibt es (besonders aufgrund der vielen kreativen Einfälle) von mir knapp aber doch …

7 von 10 Punkten

Transformers - Dark of the Moon

2011-08-12T23:08:00.001+02:00

Der erste Transformers-Film war ein überladener Actionfilm. Ich mag ihn trotzdem, denn er geizt nicht mit seinen Reizen. Effekte und die gut inszenierte Action sind wirklich erstklassig. Teil 2 war mir dann zu viel des Guten. Zu viel Action, zu hektisch gefilmt – ich war regelrecht überfordert und fühlte mich unwohl, als ich den Kinosaal verließ. Daher hatte ich große Bedenken bezüglich Teil 3, der ja noch dazu in 3D gezeigt wird....

Doch die Sorgen waren unbegründet. Die Bildästhetik wurde entsprechend angepasst und die hektische Kameraführung etwas entschärft – so können die Tiefeneffekte auch besser wirken und man kann einige Wow-Momente richtig genießen. Danke dafür, Herr Bay!

Die Geschichte kann vernachlässigt werden. Erfreulich ist, dass die Autoren den Figuren, speziell dem Hauptcharakter die Möglichkeit gaben, sich weiterzuentwickeln. Charaktere und Dialoge haben mehr Biss, sind teilweise angenehm frech. Shia LaBeouf macht seine Sache gut, wirkt so selbstbewusst wie jemand sein muss, der im jungen Alter bereits die Welt gerettet hat. Megan Fox wurde durch ein anderes Babe mit mindestens genauso großen Schlauchbootlippen ersetzt (XXL-Lippen sind anscheinend trendy). Die Blondine gibt es nur aus einem Grund im Film – als visuellen Aufputz und um sie zu retten. Gut besetzte und gut angelegte Figuren sind (erneut) John Turturro und John Malkovich! Auch der in meinem Blog bereits vorgestellte Ken Jeoung ist mit von der Partie und schräger als die Polizei erlaubt.

Auffällig ist, dass die Action diesmal nicht gleichmäßig über den ganzen Film verteilt ist, sondern erst gegen Ende richtig in Fahrt kommt. Gipfel der Action ist das ca. 45 Minuten andauernde Finale: Alien- (bzw. Decepticons-) Invasion in Chicago – mit Allem was dazugehört. Da hätte es zwar die Hälfte auch getan aber Michael Bay‘s Materialschlacht ist so unfassbar aufwendig inszeniert, dass mir teilweise doch die Spucke wegblieb.

Wer eine Schwäche für überladene Actionfilme hat und Sci-Fi-Elementen nicht abgeneigt ist, darf diese Materialschlacht nicht verpassen. Also ab ins 3D- Kino, denn nur dort kann der Film all seine Muskeln spielen lassen. Teil 4 ist nur mehr eine Frage der Zeit. Wie man da die Action noch steigern kann? Aber das habe ich mich nach jedem Transformers-Teil gefragt…

7 von 10 Punkten

Sucker Punch

2011-08-01T17:21:00.003+02:00

Regie: Zack Snyder

Darsteller: Emily Browning, Vanessa Hudgens
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A punch in the face!

Wörter wie „bildgewaltig“ oder „visionär“ hört man seit dem Spartaner-Epos 300 oft im Zusammenhang mit Regisseur Zack Snyder. Ähnlich präsentiert sich auch sein neuestes Machwerk Sucker Punch. Bildgewaltig ja, das will niemand leugnen. Eine handwerkliche Perfektionierung einer gewissen computeranimierten Bildästhetik ist bei Snyder auch zu erkennen, keine Frage. Aber Zack Snyder als visionären Regisseur unserer Tage zu bezeichnen ist eine Beleidigung gegenüber den ganz Großen im Filmbusiness.

What you are imagining right now? That place can be as real as anything.

Der Film beginnt sehr stimmungsvoll, der Soundtrack ist von Beginn an erstklassig. Ein böser Mann liefert seine Stieftochter in eine Irrenanstalt ein. Er hat Beziehungen und veranlasst, ihr Gedächtnis zu „löschen“, damit sie nicht ausplaudern kann, dass er ihre Schwester getötet hat. In der Anstalt flüchtet das Mädchen in eine Traumwelt, in der sie eine von vielen jungen Tänzerinnen in einem Bordell-ähnlichen Etablissement ist. Ab jetzt spielt der Film in dieser Traumwelt. Immer wenn das Mädchen vor Kunden tanzen soll flüchtet sie in eine weitere Traumwelt. Dort tut sie mit ihren Freundinnen in unterschiedlichsten Umgebungen immer das gleiche: Kämpfen. Während sie sich diese Kämpfe erträumt sind die Männer im Etablissement von ihrem Getanze derart hypnotisiert, dass die anderen Mädchen Gegenstände von den Herren stehlen können. Diese Gegenstände benötigen sie für die geplante Flucht aus dem Etablissement.

Diese Story klingt in Nacherzählung dämlicher als sie sich im Film anfangs anfühlt. Und der Film ist auch stimmig - bis zum Eintauchen in die erste Kampfsequenz. Genau jetzt müsste die ganze Sache erst richtig unterhaltsam für mich werden … da passierte bei mir nach wenigen Minuten etwas Merkwürdiges. Als Zack Snyder seine Bildershow der Superlative abfeuert macht es plötzlich *puff* und die ganze Blase aus Lug und Trug platzte ...

Ich erkenne plötzlich, dass der Regisseur nur (mehr oder weniger) geschickt, eine Rahmenhandlung konstruiert hat, um uns seine eigenen infantilen feuchten Träumereien als Film zu verkaufen. Ich höre mich Zack Snyder fragen: „Was für eine Story muss ich basteln, damit junge, bis an die Zähne bewaffnete Kampfamazonen in Strapsen und Schuluniformen herumflitzen und diverse Kreaturen erschießen können? Denn sexy Kampfamazonen die Töten finde nicht nur ich cool, sondern auch alle anderen!“

Alle Ausflüge in die Traum-im-Traum-Welten sehen aus wie Rendersequenzen in Computerspielen. Mit allen Vorzügen und auch allen Nachteilen (die überwiegen). Die übermächtigen Heldinnen schlagen sich durch verschiedenste Schauplätze: Da gibt es ein Ninja-Level, Ein Nazi-Level, ein Fantasy-Level mit Drachen und Orks und ein Science-Fiction-Level mit Cyborgs. Nach Snyders Milchmädchenrechnung ist die Botschaft des Films „Nur du kannst dir selbst helfen“ – und diese tiefsinnige Botschaft steht in Analogie zu Gewalt- und Kampfbildern. Die ach so emanzipierten jungen Damen kämpfen in sexy Schulmädchen-Outfits und sind über jeden Zweifel erhaben. Als Zuschauer distanzierte ich mich sofort von den Figuren. Warum? Zum Einen haben wir da die überschaubaren Leistungen der Darstellerinnen - u.a. Vanessa Hudgens, die offensichtlich vom Disney-Image wegkommen will und mal etwas total Wildes machen wollte. Zum Anderen sind die Traumsequenzen klar abgegrenzte Ebenen, was sämtliche Spannung aus dem Film nimmt. Die Actionszenen sind teilweise wirklich toll choreografiert und gut gefilmt. Umso erschreckender, dass ich dabei genug Zeit habe, den Kopf zu schütteln angesichts des Dargebotenen.

Zum Schluss hin steigert sich der Film wieder. Die Geschichte wird greifbarer, weniger abstrakt und es gibt einige dramatische Momente und Szenen in denen die Schauspieler tatsächlich spielen dürfen. Doch es bleibt der bittere Beigeschmack, dass mir jemand ein A für ein O andrehen wollte. Zack Snyder hat Visionen, ja, die hat jeder von uns. Aber es sind nur infantile Bilder eines Mannes, der zu viel Potential in die Ästhetik von Computerspielen hineininterpretiert. Und Herr Snyder sollte eines lernen: Computerspiele geben sich größte Mühe, Emotion und Ästhetik des Film zu kopieren (was sie bis heute nicht schaffen). Warum also sollte man als Filmregisseur krampfhaft Computerspiele imitieren? Viele Fragen sich ja auch immer, warum Spieleverfilmungen immer so „anders“ sind als die Spiele an sich. Weil das Medium Film eine andere Dramaturgie hat. Darauf wollte Zack Snyder offenbar nicht hören. Die Zuschauerzahlen haben ihn jetzt vielleicht eines Besseren belehrt.

Ich versuche einen versöhnenden Abschluss: Wenn Snyder den richtigen Stoff in die Hand bekommt, dann können unter den richtigen Umständen, im richtigen Umfeld auch für mich tolle Filme dabei herauskommen. Watchmen ist beispielsweise richtig gelungen. Wenn man den Herren aber nicht bei der Hand nimmt, läuft man Gefahr, dass ein Film entsteht, der völlig überteuerter Bullshit ist. Punkte gibt’s für einzelne gelungene Elemente, Soundtrack sowie für die ersten und letzten 15 Minuten.

4 von 10 Punkten

Meine erfundene Frau

2011-07-30T18:06:00.002+02:00

Eine romantische Komödie, die ihrem Namen alle Ehre macht. Adam Sandler sei Dank. Mit Sandler ist es für mich wie mit so mancher Speise. Seit man denken kann mag man etwas nicht und irgendwann kostet man sie erneut und merkt, dass es eigentlich richtig gut ist. Genau so ging es mir mit Adam Sandler. Ich konnte mich erst vor wenigen Jahren mit seinem Humor anfreunden. Und jetzt finde ich fast alle seiner Filme sehr nett bis genial – je verrückter, desto besser (Zohan, anyone?)

Meine erfundene Frau ist der ideale Film, in dem beide Geschlechter auf ihre Kosten kommen. Es gibt genau die richtige Dosis Romantik und viel sympathischen als auch unkonventionellen („sandleresken“) Humor.

Adam Sandler spielt einen Schönheitschirurgen, der immer noch seinen Ehering trägt obwohl er seine Verlobte vor der Hochzeit (zu Recht) verlassen hat. Und er trägt ihn aus dem einzig vorstellbaren Grund: um (mit Verlaub gesagt) Tussis aufzureißen. Eines Tages trifft er Ms. Perfect, die aber vom Ring den sie nach dem Schäferstündchen entdeckt hat gar nicht begeistert ist. Da der Womanizer aber gar nicht daran denkt, ihr reinen Wein einzuschenken muss seine Sprechstundenhilfe (Jennifer Aniston) samt Kindern als seine Gemahlin herhalten. Von dieser lässt er sich angeblich gerade scheiden. Die Angebetete beißt an und möchte die Pseudo-Fast-Ex kennenlernen … und einige Lügen später passiert das Unausweichliche und Herr Doktor verliebt sich (im Hawaiiurlaub mit allen Beteiligten!) natürlich in die Sprechstundenhilfe.

Klingt nicht aufregend, so wie das Drehbuch jeder romantischen Komödie. Man kann dabei herzhaft lachen, der verschmitzte und oft rüde Sandler-Humor passt einfach herrlich. Jennifer Aniston passt gut in ihre Rolle, die Chemie stimmt. Außerdem spielt der Film hauptsächlich auf Hawaii – da kommt Sommerstimmung auf und das schadet in so einem Film auch nicht.

Einzige Kritikpunkte sind die nervige Tochter, die ehemalige beste Freundin der Sprechstundengehilfin (Nicole Kidman) und für mich persönlich, dass der Romantik-/Kitschanteil nicht ausgewogen über den Film verteilt ist. Meine erfundene Frau wird erst im letzten Viertel romantisch, da aber immer intensiver. Der Storyverlauf wird zum Schluss hin noch vorhersehbarer als er ohnehin von Anfang an ist. Das tut aber einem netten Filmabend mit so einigen Lachern aber keinen Abbruch.

7 von 10 Punkten

Cars 2

2011-07-29T20:58:00.003+02:00

Pixar steht für Animationsfilme auf höchstem Niveau. Toy Story, Oben und WALL-E sind kleine Meisterwerke. Der erste Cars-Teil war gut, gehört aber nicht zu meinen Lieblingsfilmen des Animationsstudios. Aufgrund des hohen Merchandising-Ertrags (es gibt JEDES erdenkliche Cars-Spielzeug) ist es aber nur logisch, dass jetzt der zweite Teil in unseren Kinos anläuft.

Die Geschichte um das verwöhnte Rennauto Lightning McQueen, das im Kaff Radiator Springs Freunde und die Werte des Lebens findet ist fertig erzählt. Wie geht man in einem solchen Fall einen zweiten Teil an? Die beliebten vorhandenen Charaktere behalten, ein paar neue Figuren dazufügen, neue Schauplätze und eine Inszenierung nach dem Motto: höher, schneller, weiter.

So werden diesmal verschiedene Kontinente bereist, die Animation ist gewohnt hochklassig, der Detailgrad enorm. Der Kern der Geschichte dreht sich um alternative Energiequellen (Biosprit) und böse Erdölbesitzer, die dessen Einführung verhindern wollen. Lieb gemeint von Pixar und dem Disney-Sauber-Konzern. Aber leider an der Kernzielgruppe vorbei. Die ist nämlich noch jünger als im ersten Teil (ca. 3-10). Ich kann bestätigen, dass ein 3-jähriger Cars-Fan genug Interesse am Film hatte, um 2 Stunden im Kino sitzen zu bleiben. Es gibt für Erwachsene irgendwie weniger zu entdecken, der Humor ist kindlicher. Die Story allerdings viel zu kompliziert. Da passten die Freundschafts-Motive des ersten Teils wesentlich besser als Familienfilm. Cars 2 verwurstet um den Umweltschutz-Plot auch allerlei Persiflagen auf Agenten-Filme, die kleinen Kindern noch nicht geläufig und Erwachsenen zu abgedroschen sind, als das man sich wirklich darüber amüsieren könnte.

Erwähnenswert sind noch die grottenschlechten deutschen F1-Kommentatoren rund um Kai Eben und Co. Die bringen bei echten Rennkommentaren schon keine Stimmung rüber. Die abgelesenen Texte klingen in etwa so emotional wie die Monologe lang gedienter Universitätsprofessoren.

Die ganze Kritik soll aber niemanden abhalten, sich den Film (vielleicht auf DVD oder im Fernsehen) anzusehen. Es gibt eine Menge neuer Ideen, viele Schauwerte und einige Lacher oder zumindest Schmunzler. Wer mit Cars 1 aber nicht allzuviel anfangen kann sollte sein Geld aber für einen anderen Animationsfilm aufsparen.

6 vom 10 Punkten

Gulliver's Reisen

2011-07-29T16:09:00.003+02:00

Gulliver’s Reisen vom weitgehend unbekannten Regisseur Rob Lettermann wird auch ein weitgehend unbekanntes Kapitel in der Filmgeschichte bleiben.

Es ist nett gemeint, Gulliver mit Jack Black zu besetzen. Dieser macht seine Sache gut. Bedenkt man jedoch, dass dieser Film ganz offensichtlich auf den Schauspieler zugeschnitten wurde wäre auch seitens Jack Black (auf den ich viel halte) mehr drinnen gewesen.

Der Film verwendet Grundelemente der wohl jedermann bekannten Romanvorlage von Jonathan Swift: Ein Mensch als Riese in einer Stadt von winzigen Menschen. Nach Anlaufschwierigkeiten wird der Loser in der Realwelt zum sympathischen Regenten von Liliput, der sogar Kriege gegen eine feindliche Nation bestreitet. Mit dabei ist auch ein Ausflug auf die Insel der Riesen, wo das Größenverhältnis umgekehrt wird und Gulliver als Zwerg in einem Puppenhaus aufwacht.

Der Film ist „nett“. Nett ist aber bekanntlich der kleine Bruder von langweilig. Apropos langweilig: Ich möchte darauf hinweisen, dass diese Filmkritik unvollständig ist. 5-10 Minuten bin ich im letzten Drittel eingenickt. Auch kein gutes Zeichen - vor allem, weil ich nicht das Bedürfnis hatte zurückzuspulen… Gulliver's Reisen ist weder spannend, noch dramatisch, weckt keine Emotionen. Von Computereffekten allein kann heute kein Film mehr leben. Bleibt nur noch der Humor…

Der Humor ist eher oberflächlig und etwas fäkal (Feuer wird von Gulliver ausgepinkelt), eher lustig gemeint als tatsächlich lustig. Die Vorlage des Films ist ein satirischer Roman. Im Film verkommt die Satire aber zu popkulturellen Anspielungen. Diese Referenzen auf TV, Film, Musik und Computerspiele sind Fluch und Segen zugleich. Es ist durchaus witzig, wenn Gulliver seinem Freund eine Mischung aus „Romeo und Julia“ und „Kiss“ von Prince einsagt, der damit die Angebetete umwirbt. Als Kehrseite der Medaille macht sich aber auch massiv Schleichwerbung und Product Placement im Film breit. Nicht mal Jason Segel (Marshal aus How I Met Your Mother) rettet den Film aus der Mittelmäßigkeit – zu belanglos ist auch seine Rolle.

Negativ wirkt sich auch die schlechte deutsche Synchro/Übersetzung aus. Beispiel gefällig? Aus „President Awesome“ wird „Präsident Obercool“ …

5 von 10 Punkten

Kampf der Titanen

2011-07-27T12:56:00.003+02:00

Ich habe mit griechischer Mythologie nicht viel am Hut. Kampf der Titanen ist ein Fleckenteppich aus mythologischen Elementen. Kennern dreht sich sicher der Magen um. Mich stört das aufgrund meiner Unwissenheit nicht.

Ich lasse einige mehr oder weniger peinliche Kostüme à la 300 ebenso über mich ergehen wie oberflächlich gezeichnete Charaktere. Wenn man diese von vorneherein erwartbaren Kritikpunkte akzeptiert kann man sich an einer beachtlichen Materialschlacht erfreuen.

Bei Kampf der Titanen sieht man die sicherlich hohen Produktionskosten in jeder Sekunde des Films. Computeranimationen vom Feinsten, toll designte und animierte Monster und Kreaturen geben sich die Klinke in die Hand. Fetzig gefilmt und toll choreografiert ergibt das ein recht unterhaltsames Gesamterlebnis.

Die Story gewinnt keine Preise, die Dialoge ebenso wenig. Aber immerhin wird’s nie peinlich – und das ist bei einem Filmwerk dieser Liga auch schon was wert. Erfreulich auch, dass der Film auch eine angenehme und angemessene Lauflänge hat.

7 von 10 Punkten

Freundschaft Plus

2011-07-26T15:02:00.002+02:00

Freundschaft Plus verspricht mit der Besetzung von Natalie Portman, Ashton Kutcher und Kevin Kline eine gut besetzte romantische Komödie zu werden …

Leider ist der Film so belanglos, dass ihn die Schauspieler nicht retten können. Die Geschichte von der Bettbeziehung die sich nach (sehr sehr) langem hin und her zur großen Liebe entwickelt ist ganz einfach langweilig. Natalie Portman’s Rolle nervt, Ashton Kutcher wirkt etwas gelangweilt. Er kommt aber dennoch relativ sympathisch rüber, seine Figur Adam hat aber keine Ecken und Kanten. Kevin Kline ist als Adam’s Vater zwar amüsant – trotzdem wird hier ein toller Schauspieler mehr oder weniger verheizt. Zu lachen gibt es nicht viel, alles ist vorhersehbar. Fäkalhumor oder Slapstick gibt es nicht (muss auch nicht sein), dafür gibt es sehr häufig „strong language“ also Kraftausdrücke. Mit Fluchereien gehen Amerikaner in den leichteren Filmgenres viel zu restriktiv um. Bei Freundschaft Plus wird allerdings die eine oder andere Ausnahme gemacht. Gerade in diesem Filmchen wirken die Fluchereien unpassend und aufgesetzt. So versuchte man, dem Film anscheinend krampfhaft irgendeine Würze zu verleihen.

Bei einem Film, der über 108 Minuten derart langweilt kommen bei mir beim besten Willen keine Emotionen auf – von Romantik keine Spur. Punkte gibt es alleine für die gut gemeinte Besetzung.

4 von 10 Punkten

Du schon wieder

2011-07-25T19:53:00.003+02:00

Regie: Andy Fickman

Darsteller: Jamie Lee Curtis, Sigourney Weaver, Betty White
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Zicken auf hohem Niveau

Wir befinden uns in einer typischen amerikanischen High School. Die typische verpickelte Außenseiterin Marni wird (klassich) von der Obercheerleaderin JJ gemobbt wie es im Buche steht. So gut, so banal. Es fühlt sich an als sähe man ein Sonntagnachmittags-Filmchen vom Mickeymaus-Konzern. Die sich anbahnende Story vom Hässlichen Entlein und dem sich daraus entwickelnden schönen Schwan ließ meinen Daumen schon verdächtig nahe um den „Stopp“-Knopf meiner Fernbedienung kreisen. Doch gerade rechtzeitig folgt ein Zeitsprung von ca. 10 Jahren.

"High school was a horror movie! ... And this weekend was the sequel!"

Die vormals armselige Marni hat sich gemausert und ist tatsächlich zur hübschen, erfolgreichen jungen Frau gereift. Ihr Bruder wird heiraten, sie macht sich auf den Weg zu ihrem Elternhaus und muss bald erfahren wer ihre Schwägerin in spe sein wird. Dreimal raten? Natürlich JJ! Das ist jetzt wahrlich keine bahnbrechende Idee der Schreiberlinge, was daraus gemacht wurde ist aber überdurchschnittlich gut gelungen. Denn der Kampf zwischen den zwei jungen Damen wird analog noch von zwei anderen Damen geführt: Marni's Mutter und JJ's Tante. Diese hatten auf der Schule eine ähnliche Fehde und diese sind mit Jamie Lee Curtis und Sigourney Weaver unfassbar gut besetzt. Die junge Generation trägt die Sache ungestümer aus. Die älteren Semester geben sich anfangs als über den Dingen stehend, gereifter. Doch mit der Zeit verwandeln sie sich in ebensolche Zicken. Der Kampf wird auf psychischer und physischer Ebene ausgetragen und ja, es fliegen auch mal Frauen in Abendkleidern in den Pool. Das finden nur leichte Gemüter zum Brüllen komisch - hat man alles auch schon gesehen. Wichtig ist aber, dass Du schon wieder nie peinlich oder vulgär wird, eine hohe Gagdichte aufweist und stets charmant ist. Die berühmte feine Klinge kommt zum Einsatz. Besonderer Dank gilt wie gesagt Curtis und Weaver, die sich ständig gegenseitig übertrumpfen – mir fällt dabei unweigerlich „Der Tod steht ihr gut“ ein, wo sich ebenfalls zwei Grand Dames des Filmbusiness nichts schenkten - nur weniger morbide. Und die "goldige" Betty White gibt es als i-Tüpfelchen oben drauf.

Zickenterror hier, Eifersuchtsszenen da, der Film hat das Herz ganz einfach am rechten Fleck und ist so angelegt, dass der Zuseher sich auf die Seite der vormals Unterdrückten stellt. Szenen, in denen das unfassbare Glück und die Verliebtheit der zwei Verlobten herausgearbeitet werden sind derart übertrieben kitschig inszeniert, dass ich beim Zusehen tatsächlich laut schreien musste, weil mich die beiden so genervt haben. Ich litt mit Marni mit - das nenne ich Empathie. Regisseur und Autoren drücken hier bei mir genau die richtigen Knöpfchen – ich musste einfach mitfiebern. Und wenn mich ein Film emotional derart packt, dann tröstet das auch locker über ein überschaubares Story-Gerüst hinweg.

Ich empfehle diese „romatische“ Komödie mit moderatem Romatikfaktor sowohl Frauen als auch Männern – einem unterhaltsamen Filmabend mit dem/der Liebsten steht nichts mehr im Wege!

9 von 10 Punkten

13

2011-07-24T19:11:00.003+02:00

Bei 13 handelt es sich meiner Meinung nach um ein high concept-movie, das (Genre-üblich) von einem ausgefallenen Szenario profitiert. Ein Nobody der dringend Geld für seine Familie braucht lässt sich, ohne zu wissen um was es genau geht, auf eine ganz dumme Sache ein

[Spoiler] Dieses Spiel besteht darin, dass arme Würstchen bzw. Ex-Häftlinge die nichts mehr zu verlieren haben Kandidaten an einer Art „Russisches Roulette in der Gruppe“ teilnehmen – damit irgendwelche Bonzen darauf wetten können. [/Spoiler]

Die Idee ist gut, der Spannungsaufbau stimmt und die Schauspieler (allen voran Jason Statham und Mickey Rourke) sind gut gewählt. Der Film kann sein Potential aber nicht entfalten.

Das liegt vor allem daran, dass man über die Hauptfiguren nicht so viel erfährt wie man gerne möchte. Der Film ergötzt sich zu sehr an seiner Grundidee, man bleibt sehr viel im hier und jetzt, Hintergründe bleiben zu oft ungeklärt. Die abstruse Situation wird einfach als gegeben hingenommen. Das hat oft seinen Reiz, bei 13 hat man aber einfach das Gefühl, als hätte einem der Regisseur 30 Minuten an Hintergrundinfos vorenthalten. Schade.

6 von 10 Punkten

Harry Potter Special

2011-07-19T19:26:00.000+02:00

Ich bin kein Harry Potter-Fan, habe die Bücher nicht gelesen und die Verfilmungen bisher immer nur vereinzelt gesehen. Vor dem Erscheinen des letzten Films wollte ich aber den Durchblick bekommen. Da blieb mir nur eine Möglichkeit … das Unvermeidliche. Jeden Tag ein Harry Potter Film. Es folgen stichwortartige Kommentare zur Inszenierung der Teile 1-7 und ein ausführlicher Kommentar zum großen Finale (Teil 7.2)

Harry Potter und die Kammer des Schreckens (8/10)

Ein rundum gelungener Zauerlehrlings-Abenteurfilm für die jüngere Zielgruppe. Alles ist neu, die Zauberschule Hogwarts hat Charme und strotzt vor netten Details.

Harry Potter und der Stein der Weisen (7/10)

Ganz im Stil des Vorgängers (gleicher Regisseur). Etwas düsterer, immer noch Kinderfilm. Vieles kennt man schon.

Harry Potter und der Gefangene von Askaban (7/10)

Neuer Regisseur, der Film ist frecher, Potter aggressiver. Weniger Kinderfilm, trotzdem mehr Humor, inkl. Zurück in die Zukunft-plot. Außerdem: das mickrigste Werwolf-Kostüm/Animation der Filmgeschichte.

Harry Potter und der Feuerkelch (6/10)

Teenager-Film. Sport-Wettbewerbe, Damenwahl und Standardtänze. Eifersucht, wenig Handlung, High-School Movie, Robert Pattinson, letztes Drittel nimmt Fahrt auf.

Harry Potter und der Orden des Phönix (7/10)

Die Figur der Prof. Umbridge bewegt sich auf einem schmalen Grat zwischen hinterfotzig und nervtötend, Harry wird noch düsterer, Themen sind Regime und Revolution, ab jetzt Filme für (junge) Erwachsene, tolle Duell-Szenen.

Harry Potter und der Halbblutprinz (5/10)

Tolle Anfangssequenz in London. Dann wird es LAAANGWEILIG. Beziehungskram, Inszenierung düster/reduziert, Story kann das nicht ausgleichen, zu lang.

Harry Potter und die Heiligtümer des Todes, Teil 1 (5/10)

Spannender, actionreicher Beginn, endlich nicht mehr in Hogwarts (positiv), Herr der Ringe-Analogien werden immer deutlicher, die selben Inszenierungsschwächen wie Yates-Vorgänger – zu ernsthaft, episch, etwas langweilig, viel zu langatmig (bitte 50% kürzen)

Harry Potter und die Heiligtümer des Todes, Teil 2 (8/10)

Das Finale als Ganzes betrachtet diente der vorherige Harry Potter-Film als (überlanger) Auftakt des Effektfeuerwerks, das im letzten Teil auf den Zuschauer niederprasselt. Hier stimmen Dramaturgie, Schauwerte, Dialoge und Schauspielleistung. Regisseur Yates wollte einen epischen Abschluss schaffen. Das ist ihm im Großen und Ganzen auch gelungen. Alle bisherigen Charaktere/Darsteller bekommen ihren Auftritt, die Effekte sind großartig. Wozu kleckern? Hier wird geklotzt.

Aber: Nothing is perfect. Wie viele Harry Potter-Filme gibt es aber auch hier wieder das Problem, dass essentielle Wendungen in der Story trotz einer Filmlänge jenseits der 120 Minuten erneut in wenigen Minuten erklärt werden - das hätte man (unabhängig von der Romanvorlage) besser lösen können. Die Action bekommt hingegen genug Platz. Und bei einem Werk dieser Ausmaße (ob nun in Seitenzahlen oder Filmminuten) darf’s auch ruhig mal „ein bisserl mehr“ sein.

Zweiter großer Kritikpunkt sind die letzten Minuten des Films. Die Schlacht ist geschlagen, das Böse besiegt, Kinder sind zu Helden gereift. Schnitt. „19 Jahre später“. Man sieht Harry & Co als Erwachsene mit ihren Kindern … Geht’s noch? Man hat sich somit wirklich Mühe gegeben, dieses gewaltige Finale durch diese kitschige, peinliche und an Einfallslosigkeit nicht zu überbietende letzte Filmminute zu verhunzen.

Fazit: Es darf nicht unerwähnt bleiben, dass die jugendlichen Schauspieler durchwegs in Ordnung sind, sich auch über die Jahre mit ihren Charakteren weiterentwickeln. Die „erwachsenen“ Darsteller allesamt ausgezeichnet.

Rowling hat das Rad nicht neu erfunden. Aber wenn schon klauen, dann bei den Besten. Die Artefakte des Bösen (der Ring in Herr der Ringe) wurden ebenso fast 1:1 übernommen wie einige Charaktere (Gandalf könnte der dritte Bruder der Dumbledores sein) und das Grundthema beider Werke (Freundschaft!). Ein Epos wie Herr der Ringe sind die Harry Potter-Filme nicht. Müssen sie auch nicht – sollen sie auch nicht. Etwas kindgerechter, etwas unschuldiger, naiver sind die Harry Potter-Teile.

Die Filme sind mal mehr, mal weniger gelungen. Insgesamt wurden die Bücher sicher respektvoll und würdig verfilmt. Die jugendlichen Schauspieler sind in Ordnung, die älteren Darsteller meist exzellent. Eine Gesamtnote für Harry Potter als filmisches Gesamtwerk würde sich in etwa auf 7 von 10 Punkten belaufen.

Miami Vice

2011-07-05T19:25:00.008+02:00

Regie: Miachael Mann

Darsteller: Colin Farrell, Jamie Foxx
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Im Rausch der Bilder

Miami Vice traf mich 2006 völlig unvorbereitet. In Erwartung eines Actionknallers verließ ich das Kino regelrecht berauscht. Der Film ist eine Droge für meine Augen.

"Let's take it to the limit one more time."

Man nehme die Marke Miami Vice, die Hauptfiguren, das Setting und eine Geschichte mit Drogen und Undercover-Agenten – und fertig ist der kommerziell erfolgreiche Actionfilm. Doch wenn Miachel Mann am Werk ist wird alles anders. Besser.
Rico Tubbs und Sonny Crocket gehen undercover, schleusen sich als Drogenlieferanten in die Unterwelt von Miami ein. Sie transportieren für einen Drogenbaron zu Lande und in der Luft Rauschmittel von Südamerika nach Miami. Verkörpert werden die Protagonisten von Colin Farrell und Jamie Foxx. Farrell sehe ich immer gerne bei der Arbeit zu. Jamie Foxx ist aus mir unerklärlichen Gründen nicht so mein Fall – er ist natürlich ein solider Schauspieler (Stichwort: Oscarpreisträger) und fügt sich gut in diesen Film ein. Die zwei Cops kommen zwar glaubhaft rüber, hätten im Laufe der Handlung aber etwas mehr Charakterzeichnung verdient. Die Handlung von Miami Vice ist aber zweitrangig, denn ich bin gefangen von Michael Mann’s unübertroffener Bildsprache.
Hier zeigt sich Miami, wie noch nie zuvor. Ich glaube, der Regisseur wollte all das von Miami zeigen, was sämtliche Filmemacher vor ihm bewusst weggelassen haben. Mit einer Ausnahme: Die für Miami typischen schicken Clubs - die gibt es auch in Miami Vice zu sehen. Ganz im Gegensatz zu den Außenschauplätzen: Wir sehen den Hafen im Industrial Look in kühlen Blautönen, Autobahnen im Lichte der orangen Laternen, das Wetter ist an der Kippe – ein Sturm zieht auf. Melancholisch, echt und wunderschön wirken die Bilder. Völlig konträr dazu sind jene Teile des Films, die in Cuba, Uruguay & Co spielen. Hier brennen sich das helle Sonnenlicht und die staubigen Straßen direkt in das Auge des Zusehers. Darüber hinaus schafft es Miachel Mann, Locations zu finden die deshalb echt wirken, weil sie es auch sind. Da gibt es nur die Hauptdarsteller und die Filmcrew, der Rest bleibt „naturbelassen“. Sowohl die Drehorte als auch die Personen, die sich in selbigem bewegen sind echt. Statisten? Fehlanzeige. Die Einwohner der jeweiligen Gegend bevölkern auch die Leinwand. Und das merkt man in jedem Staubkorn und jedem Stück Dreck am Straßenrand. Michael Mann scheint Respekt vor seinem Publikum zu haben. Zumindest fühlt es sich so an, als zeige er nur das was auch wirklich da ist – stilisiert und perfekt gefilmt natürlich – aber nicht unnatürlich oder gestellt.
Komplettiert wird dieses Meisterwerk durch den Sound. Der Soundtrack untermalt das geschehen perfekt und das Sounddesign ist auf Top-Niveau. Um mein Entzücken ob der audiovisuellen Perfektion zu verdeutlichen möchte ich drei Szenen herausgreifen:

Ricardo und Sonny stehen am Pannenstreifen der Autobahn in Miami. Die Steadycam und das orange Licht der Straßenbeleuchtungen geben einem einerseits das Gefühl, mitten auf dieser Autobahn zu stehen und vermitteln gleichzeitig ein unerklärliches Gefühl von Wärme.

Der Zuschauer sitzt mit Sonny und seiner Geliebten auf einem Speedboat. Die Szene auf dem PS-Monster ist aber geradezu romantisch und unfassbar melancholisch gefilmt. Die Unruhe des Gefährts wird in diesem Fall durch rhythymische Kamerabewegungen und völlig ruhige Helikopteraufnahmen ausgeglichen.
Eine wilde Schießerei am Ende des Films bringt Soundeffekte auf die Heimkinoanlage, die bis heute auf Referenzniveau sind. Alles klingt echt, der Zuseher ist mittendrin. Rasant und beinhart.

Das Beste an Miami Vice sind die Außendrehorte. Aber auch sämtliche Sets, wie Wohnungen oder Clubs sind bestens ausgestattet – hier wurde nichts dem Zufall überlassen. Die stilvolle Ausstattung würde in vielen Filmen zu stilisiert und nüchtern wirken. Aber hey, trotz aller Düsternis und Gangstermilieus sind wir hier immer noch in Miami!
Die oben genannte Actionszene ist übrigens untypisch für Miami Vice. Action gibt es selten und nie als Selbstzweck. Das ist auch gut so, denn die Bildästhetik von Michael Mann kann in ruhigen Szenen wesentlich besser wirken. Kritik muss ich allerdings an der Blu-Ray üben: Der Sound ist zwar über jeden Zweifel erhaben, der körnige Filmlook des Films wurde aber durch die Blu-Ray-Schärfe derart verstärkt, dass das Ergebnis ungenügend ist. Schade drum. Bewertet wird aber nur der Film. Und diesbezüglich gibt es abgesehen von den etwas sterilen Charakteren nichts zu bemängeln.

Anmerkung zur Blu-Ray: Der Ton wird dem Film gerecht, das Bild ist teilweise unter jeder Kritik. Die grobkörnige Optik des Ausgangsmaterials wird durch den Blu-Ray-Transfer multipliziert und äußert sich in sehr starkem „grieseln“ in dunklen Szenen – sowohl dem Film als auch einer Blu-Ray unwürdig!

9 von 10 Punkten

The Social Network

2011-07-03T16:49:00.001+02:00

Bei David Fincher’s The Social Network handelt es sich um ein klassisches Biopic. Angenehm finde ich, dass sich die Geschichte nicht künstlich aufgebauscht anfühlt. Allerdings wird der Plot so straight präsentiert, dass sich der Mehrwert durch die Betrachtung des Films bei mir darauf beschränkt, dass ich nun mehr über die Hintergründe der Entstehung des Social Network-Monsters Facebook und seiner Erfinder weiß. Der Film als solcher kein künstlerischer Meilenstein. Da hätte es nicht unbedingt David Fincher im Regiestuhl gebraucht.

Aufgezogen wird die Handlung anhand des Prozesses, in welchem die Urheberrechte und Entschädigungen der jeweiligen Parteien geklärt wurden. Kläger und Angeklagter waren teils Freunde, teils Studienkollegen. Die gesamte Geschichte, wie der sozial inkompetente Zuckerberg das Online-Sozialnetzwerk gründete birgt natürlich eine gewisse Ironie. Diese Ironie ist wahrscheinlich der Hauptgrund für die Verfilmung. Vom Prozess ausgehend wird in Rückblenden die Geschichte chronologisch aufgerollt – alles sehr klassisch.

Die Hauptrollen sind angemessen besetzt. Jesse Eisenberg (sehr sympathisch in Zombieland) zeigt uns einen selbstverliebten aber glaubwürdigen Mark Zuckerberg. Warum gerade Justin Timberlake Sean Parker (Napster-Mastermind und Facebook-Berater) spielt liegt eigentlich auf der Hand: Parker war in seinen Kreisen ebenso ein Superstar wie Justin Timberlake. Und so verleiht Timberlake der Rolle die nötige Rockstar-Attitude – für den Zuseher irgendwie leicht nachvollziehbar.

Die Story ist voll von Genie, Neid, Business und Freundschaft. Wen die Materie Facebook interessiert, der wird The Social Network sicher einiges abgewinnen können. Interessant und solide in allen Belangen. Emotionen und das Gewisse Etwas haben mir aber gefehlt.

7 von 10 Punkten

Brügge sehen ... und sterben?

2011-07-03T11:22:00.000+02:00

Brügge, Belgien: Zwei irische Auftragskiller Ray und Ken warten im wunderschönen Brügge auf ihren nächsten Auftrag. Bald stellt sich heraus, dass ihr Auftraggeber von Ken erwartet, Ray zu töten.

Brügge sehen … und sterben? Ist ein Drama, das aber eine große Portion schwarzen Humor enthält. Im beschaulichen Brügge gibt der (mir völlig unbekannte) Regisseur den Charakteren aber genug Raum zum Atmen. Ken und Ray könnten unterschiedlicher nicht sein:

Colin Farrell spielt den etwas einfach gestrickten Ray. Frauenheld, Kulturbanause und nicht gerade mit Einstein’s IQ gesegnet. Bald stellt sich heraus, dass Ray von Gewissensbissen geplagt wird. Farrell spielt alle Facetten seines Charakters ausgezeichnet – es ist eine Freude, einen Schauspieler aus Hollywood’s A-Liga in einem solch beschaulichen Filmchen zu sehen. Brendan Gleeson ist ebenfalls ein großes Schauspiel-Kaliber, der seiner Figur ebenso größte Glaubwürdigkeit verleiht. Ralph Fiennes gibt Harry, den knallharten, fluchenden Auftraggeber und Familienvater - eine Figur in sich so gegensätzlich, dass man sie einfach lieben muss.

Letztendlich geht es im Film um Freundschaft, Gewissensbisse und den Sinn des Lebens. Die gute Ausleuchtung der mehrdimensionalen Charaktere steht dabei stets im Vordergrund.

Brügge sehen … und sterben? bietet Tragik, Komik, Romantik und gegen Schluss auch etwas Action und Gewalt. Der Film bleibt dabei stets (wie die Stadt Brügge) ruhig, melancholisch und verträumt. Ein Film für Freunde guter Dramen und jene, die vielleicht nur einmal sehen möchten, warum diese tollen Schauspieler zu Recht das sind was sie sind – Weltklasse. Abgesehen von einigen wenigen Längen kann man dem Film nicht viel ankreiden. Also: Zeit nehmen und verzaubern lassen.

8 von 10 Punkten

Drive Angry

2011-07-02T09:29:00.003+02:00

Regie: Patrick Lussier

Darsteller: Nicolas Cage, William Fichtner, Amber Heard
Alle Details zum Film auf IMDB.de

Ghostrider ist tot- lang lebe GhostDRIVER

Nicolas Cage ist sich bekanntermaßen auch auf seine alten Tage nicht zu schade, in Filmen fragwürdiger Qualität mitzuwirken. Oder sind seine besten Tage tatsächlich schon vorbei? Auch sein Repertoire an Gesichtsausdrücken kennen wir ohnehin schon alle auswendig, aber das macht nichts – seine finstere Miene packt Cage auch in Drive Angry wieder aus.

“I’m looking for someone. He’s 6’1”, angry, with attitude.”

Welche Geschichte hat Drive Angry anzubieten? Ich zitiere Wikipedia: „John Milton ist ein Krimineller, der aus der Hölle ausgebrochen ist, um Jonah King, einen Sektenführer zu töten. Dieser konnte, nachdem Milton starb, seine Tochter dazu bringen der Sekte beizutreten. Allerdings wurden sie und ihr Ehemann getötet, nur um an ihr Kind, Miltons Enkelin, heranzukommen, um diese für ein satanistisches Ritual zu opfern.“Dem ist eigentlich nichts hinzuzufügen –leider.
Drive Angry ist einer dieser Filme, deren Storygerüst so dünn ist, dass es künstlich aufgeblasen werden muss, um die Actionszenen überhaupt irgendwie tragen zu können. Neben traumsequenzartigen Rückblenden hat der Film sich eines unfassbaren Tricks bedient. Fast die gesamten ersten 30 Minuten wird der Zuschauer völlig im Unklaren darüber gelassen, was sich da gerade auf der Leinwand tut. „Aha, na schau der bringt aber viele Leute um, der muss ganz schön ‚angry‘ sein – aber wieso bloß? Hat ihm jemand sein Eis geklaut?“. 10 Minuten lang hat das durchaus seinen Reiz – dann wird es anstrengend. Die Story wäre in einem Actionfilm dieses Kalibers aber ohnehin nur die Kür.
Die Pflicht wird für meinen Geschmack durchaus gemeistert. Der Film ist eine Mischung aus Shoot Em Up und Ghost Rider: Die Brutalität, Frechheit und Sinnfreiheit von Shoot Em Up gepaart mit übernatürlichem Hokuspokus und einem Faible für fahrbare Untersätze von Ghost Rider. Wenn man die Tatsache in Kauf nimmt, dass der Film (ebenso wie seine Seelenverwandten) dumm wie Brot ist, wird der Actionfan mit leichter Schwäche für B-Movies hier gut unterhalten. Doch auch die Darsteller reißen einiges raus. Über Nicolas Cage muss ich nichts sagen (optisch hier zwischen Ghostrider und Terminator angesiedelt). Mit von der Partie ist aber auch noch William Fichtner, unter Anderem bekannt aus The Dark Knight, oder der Fernsehserie Prison Break. Er erinnert mich an Hugo Weaving in Matrix - sieht aus, als wäre er im Maßanzug zur Welt gekommen und spielt seine Rollen zugleich trocken und sehr ausdrucksstark – Herr Fichtner, ich bin ein Fan! Und dann wäre da noch Amber Heard (mir bekannt aus dem großartigen Zombieland). Sie ist zu schön um wahr zu sein und kann mit ihren männlichen Kollegen in Punkto Toughness absolut mithalten. Apropos hübsche weibliche Hauptdarstellerin: Liebesgeschichte entwickelt sich in Drive Angry keine. Und das ist gut so.
So unterhaltsam der Film ist, er hat sich beim Ansehen trotzdem eine Spur länger angefühlt als er tatsächlich ist. Dann hätte ich mir vielleicht den Hauch einer interessanten Wendung in der Story gewünscht. Und Selbstironie klingt zwar in den großteils toll inszenierten Actionszenen immer wieder mal durch – mehr hätte aber nicht geschadet. Der Film war unterhaltsam. Wer Ghostrider mochte wird Drive Angry…..lieben?.....na sagen wir mal…auch mögen. Mit 1-2 Bierchen während des Films kann man sich meine 6 vergebenen Punkte aber schnell auf 8 Punkte schön-trinken.

6 von 10 Punkten

Watch out for Ken Jeong

2011-06-25T23:39:00.005+02:00

Ken Jeong (*1969) wird für mich immer "Mr. Chow" bleiben. Die Rolle des Gangsters in Hangover hat er einfach unfassbar gut interpretiert.

"Toodle-oo, motherfuckers!"

Seitdem ist er immer der erste auf der Liste der Castingagenturen wenn es um fiese, geistesgestörte Rollen für Asiaten geht. Publikumszuspruch hat er auch - ein MTV Movie-Award kommt nicht von ungefähr. Hier ein kurzer Auszug seines bisherigen Schaffens:

Stiefbrüder (2008)
Vorbilder (2008)
Hangover (2009)
All Inclusive (2009)
Hangover 2 (2011)
Der Zoowärter (2011)

Kendrick Kang-Joh Jeong (kurz: Ken Jeong) ist Amerikaner koreanischer Abstammung und nicht nur ein sehr witziger Schauspieler sondern auch Arzt - mit Doktortitel und allem was dazu gehört!

Er treibt sich auch in diversen TV-Serien herum. Aufgrund seiner sehr eigenwilligen Art ist er in (auch größeren) Nebenrollen bestens aufgehoben. Eine Hauptrolle würde ich ihm aber von Herzen wünschen. Der Typ ist irre. He's the man, so watch out for Mr. Jeong!

Ken Jeong auf Wikipedia

Dinner für Spinner

2011-06-25T22:53:00.002+02:00

Gleich vorweg: Ich kenne das französische Original aus dem Jahr 1998 nicht. Also kann ich ganz vorurteilsfrei die amerikanische Version aus dem Jahr 2010 beurteilen.

Tim wird von seinem Vorgesetzten eine Beförderung in Aussicht gestellt. Allerdings nur, wenn er am „Dinner für Spinner“ teilnimmt. Die Führungsetage veranstaltet regelmäßig ein Dinner, zu dem jeder Mitarbeiter einen Trottel mitnehmen muss. Je blöder, desto besser. Die mitgebrachten „Spinner“ wissen naturgemäß nichts von dieser zweifelhaften Ehre. Tim hat anfangs zwar moralische Bedenken, als sich Barry aber bei einem Unfall quasi aufdrängt nimmt das Ganze aber schnell seinen Lauf.

Steve Carell spielt den „Spinner“ Barry – Carell hat sich vom Ersatz-Jim Carrey zu einer relativ soliden Bank für Komödienbesetzungen entwickelt. Er überzeugt als liebenswerter Idiot. Übertroffen wird er nur noch von Zach Galifianakis (ja, der Hangover-Typ).

Der Höhepunkt des Films ist dann natürlich das Dinner an sich, bei dem sich Carell und Galifianakis ein Bewusstseins- bzw. Hirnkontrolle-Duell liefern, das schon sehr "originell" ist. Und schräg ist lustig.

Man hätte sicher mehr aus dem Grundthema herausholen können, die Gags könnten teilweise etwas besser zünden. Er lebt von seinen sehr „speziellen“ Charakteren und einigen sehr skurrilen Szenen - eine höhere Gagdichte wurde aber der Moral geopfert, da man sich bemüht hat, die Verhaltensauffälligen respektvoll zu behandeln. Das Damoklesschwert der political correctness schwebt teilweise bedrohlich über dem Film, der dann aber insgesamt doch die Kurve in Richtung "sympathisch" bekommt. Alles in allem: unterhaltsam.

7 von 10 Punkten

Mr. Poppers Pinguine

2011-06-25T21:53:00.001+02:00

Regie: Mark Waters

Darsteller: Jim Carrey, Angela Lansbury
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Ein Jim Carrey für die ganze Familie

Jim Carrey ist ein Held meiner Jugendtage. Da hätte es nicht einmal gewonnene Kinotickets gebraucht, mir „den neuen Carrey“ im Kino anzuschauen. Mit Ace Ventura fing alles an – einer Blödelkomödie die ihresgleichen suchte und fand – mit Dumm und Dümmer. Saublöd aber im positivsten Sinne. Es ist nicht zu verleugnen – Komödien sind Carrey’s Königsdisziplin. Aber er hat im Laufe der Jahre auch gezeigt, dass er ein Chamäleon ist – er passt einfach in jede Art von Film. So bewies er sich bereits in Dramen (Truman Show, der Mondmann), Romanzen (Eternal Sunshine of a Spotless Mind) und märchenhaften Literaturverfilmungen (Lemony Snicket). Und dann sind da noch familientaugliche Komödien à la Der Dummschwätzer oder Bruce Allmächtig, die zwar harmlos sind, aber eine Aufwertung durch Jim Carrey erfahren. Hier ist auch die Kinderbuchverfilmung von Mr. Popper’s Pinguine anzusiedeln.

Mr. Popper probt eine prächtige Performance (der Film hat einen "P"-Tick)

„Ein Spaß für die ganze Familie“ – diese Floskel wurde zu oft bedient. Filme, die allen gefallen wollen, müssen naturgemäß eines sein: belanglos und superseicht. Viel Slapstick für die Kids und ein paar Insider-Gags für die Erwachsenen. Dazwischen viel heiße Luft und…computeranimierte knuffige Tiere.

Mr. Popper’s Pinguine ist genau solch ein Film. Aber da gibt es so etwas wie einen Carrey-Effekt, © by myself. Jim Carrey passt perfekt in familientaugliche Komödien und bringt immer das gewisse Etwas mit. Er macht diese „netten“ Filmchen (und nett ist der kleine Bruder von uninteressant) sympathisch. In meinen Augen schlummert immer ein gewisses anarchisches Potenzial in dem Mann, das er immer (je nach Anforderung mal mehr, mal weniger) raus lässt. Da kann ich auch durchaus darüber hinwegsehen, dass ich zum X-ten mal den Plot vom leiblichen Patchwork-Vater eines pubertierenden und eines etwas jüngeren Kindes vorgesetzt bekomme. Dieser muss sich zwischen Beruf und Familie entscheiden und jeder Zuseher mit Puls weiß bereits zu Beginn, wie er sich entscheiden wird und wie rührend das herzzerreißende Finale sein wird bzw. sein soll. In diesem Film sind die vom verstorbenen Vater des Protagonisten überlassenen Pinguine der Auslöser für einen Sinneswandel und Rückbesinnung auf wahre Werte. Vom gefühlskalten Businessman zum Superdad und besten Ehemann aller Zeiten. Alles dank der knuddeligen Südpolbewohner.

Ich sehe Jim Carrey gerne bei der Arbeit zu. Er kann gut mit Kindern und mit animierten Pinguinen ebenso. Die sind ordentlich animiert, nicht allzu extrem vermenschlicht und stehlen Carrey das eine oder andere mal die Show.

Was die Effekte betrifft hat man sich in Hollywood in den letzten Jahren aber wohl eher auf die Weiterentwicklung von Computereffekten beschränkt. Anders ist es mir nicht erklärlich, dass die Special-Effects-Jungs aus den USA noch immer den Eindruck erwecken, noch nie im Leben echten Schnee gesehen zu haben. Schnee sieht auch in diesem Film, bei dem Schnee und Eis wichtige Elemente sind, aus wie in einer Billigproduktion. Da reißen sich die Computergrafiker einen Haxen aus, damit die Pinguine echt wirken und dann wird die Illusion durch Styropor-Schnee zerstört.

Zurück zum Wesentlichen: Der Film ist seicht, zu harmlos, hat aber eine witzige Ausgangssituation, das Herz am rechten Fleck und einen dicken fetten Jim Carrey-Bonus. Im restlichen Cast befinden sich übrigens keine echten Großkaliber (außer Angela Lansbury, die früher bekanntlich Krimis schrieb), die Akteure machen ihre Sache aber recht gut. Positiv auch: Trotz aller Befürchtungen war von Overacting weit und breit nichts zu sehenn! Das reicht, um mich für 90 Minuten zu unterhalten (und den Film dann auch wieder zu vergessen). Jim Carrey bitte ich, sich bei seinem nächsten Projekt wieder weiter aus dem Fenster zu lehnen. Ich würde mich freuen, mal wieder eine neue Facette von ihm zu entdecken.

7 von 10 Punkten

Machete

2011-06-21T22:43:00.003+02:00

Regie: Robert Rodriguez

Darsteller: Danny Trejo, Robert De Niro, Don Johnson, Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Steven Segal
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Ein echter Rodriguez

Am Anfang schuf Gott den Trailer. Und er war gut. Der Trailer zu Machete mit dem gleichnamigen mexikanischen Obermacker war Teil des Grindhouse-Double-Features von Robert Rodriguez und Quentin Tarantino. Ob es tatsächlich schon immer geplant war diesen aberwitzigen Trailer in einen Spielfilm zu verwandeln wissen die Götter – Verzeihung – Rodriguez und Tarantino. Es dauerte zwar etwas länger als sieben Tage bis der Film dann erschien, aber besser spät als nie. Jetzt aber vorerst genug der biblischen Anleihen. Rodriguez ist ohnehin eher blasphemisch unterwegs. Jedem das Seine.

"Machete improvising"

Das Wichtigste ist, dass der Film hält, was der dazugehörige Trailer verspricht. Danny Trejo erweckt wieder einmal den Eindruck, als spiele er sich selbst. Der Typ hat nur 2 gesichtsausdrücke (böse und ganz böse, Stallone-style eben) – und ich meine das nicht negativ. Er ist Machete. Er gibt den Bösen was sie verdienen und den Ladies was sie wollen. Wortkarg schlachtet sich der Hobbymetzger durch einen Plot aus Immigrationsproblematik, politischen Hardlinern, korrupten Sherriffs, dunklen Hintermännern und Drogenbossen. Die Thematik ist durchaus realistisch und steht im Kontrast zur Inszenierung. Insgesamt ist Rodriguez‘ Machwerk aber in sich stimmig. Der Film ist aufwändig produziert, aber bewusst auf B-Movie getrimmt. Der ernste Hintergrund macht ihn irgendwie besonders – man kann die Action genießen, ohne dass man das Gefühl hat von den Drehbuchautoren verhöhnt zu werden.

Jetzt aber an’s Eingemachte. Machete ist gewalttätig und abgedreht. Alles ist dabei: Dreck, Blut, Gewalt, One-Liner, Sex (inklusive erstklassiger Pornomusik) . Der Film nimmt sich nie ernst und kommt trotzdem ohne Peinlichkeiten aus.

Das Beste am Film ist die unglaublich geniale Besetzung. Danny Trejo spielte ohnehin in seinen letzten 10 Filmen schon Machete (ohne dass er es wusste) brutal, wortkarg, he’s just so badass.

Rodriguez und Tarantino holen gerne Pensionisten der alten Film-Garde aus der Versenkung. Don Johnson gibt den texanischen finsteren Geschäftsmann, Steven Segal steigt aus dem Grab und mimt den Drogenbaron (wann hat Segal zuletzt in einem Film mitgespielt?). Ihre bloße Anwesenheit bereichert den Film.

Michelle Rodriguez gibt die Guerilla-Kämpferin. Michelle muss in ihren Filmen immer auf ultra-tough machen. Das funktioniert mal besser und mal (meistens) schlechter. Für mich immer an der Grenze zum Over-acting. In diesen Film passt sie aber wie die Faust aufs Auge. Eben weil der gesamte Film „over-acting“ ist. Sogar für Lindsay Lohan hat der Regisseur ein Herz. Sie darf allerdings nur sich selbst spielen (bitchy und stoned). Jessica Alba hat die langweiligste Rolle ausgefasst ist aber trotzdem immer gerne gesehen. Robert De Niro schießt meiner Meinung nach den Vogel ab – er ist dermaßen überzeugend als opportunistischer, ultrakonservativer Politiker – zum Niederknien.

Kurzer Exkurs: Nach 3 Minuten hatte ich (und das habe ich nicht immer) das absolute Bedürfnis auf Originalton zu schalten. Schon Machete selbst ist unzulänglich synchronisiert und die Dialoge dieses Films sind ohnehin leicht verständlich – und oft gar keine Monologe. Sätze wie „You just fucked with the wrong Mexican!“ kann man doch gar nicht übersetzen.

Was in dem Film so abgeht lässt sich erahnen, wenn man bedenkt, dass sich in der finalen Schlacht Lowrider-Freiheitskämpfer, Lohan als Uzi-Nonne, MG-Krankenschwestern, Macheten, Schwerter und Railgun-Motorräder die Klinke in die Hand drücken. Dafür bekommt Robert Rodriguez garantiert keinen Oscar, bedient aber seine Fans, die es ihm danken, dass er seinem Stil seit From Dusk Till Dawn treu bleibt, ohne langweilig zu werden. Es erstaunt mich erneut, wie er es schafft, in seinen Filmen dermaßen viele Rollen zu erfüllen. Rodriguez ist: Regisseur, Produzent, Autor, Cutter, Visual Effects Producer, Music Producer… um nur einige zu nennen. Kochen kann der Mann bekanntlich auch (Rezepte präsentiert er immer auf den DVDs seiner Filme) – Wahrscheinlich macht er auch das Catering selbst. Respekt!

Alles in Allem hat mich Machete perfekt unterhalten. Ein rundum gelungener Film, dem ein Quäntchen Originalität zur Höchstnote fehlt. Kein From Dusk Till Dawn - aber knapp dran.

9 von 10 Punkten

Moulin Rouge

2011-06-19T22:25:00.006+02:00

Regie: Baz Luhrmann

Darsteller: Ewan McGregor, Nicole Kidman
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Bunt, schrill - Baz Luhrmann lässt’s raus.

Der Regisseur hat ja bereits bei Romeo + Julia bewiesen, dass er’s gerne unkonventionell mag. Moulin Rouge hat in Prinzip auch die gleiche Geschichte als Grundlage. Inszenatorisch schaltet Luhrmann aber nochmal einen Gang höher. Moulin Rouge auf die Zuseher loszulassen ist schon sehr (milde ausgedrückt) gewagt. Ich bin aber froh, dass hier alle Beteiligten mit Mut und Konsequenz bei der Sache waren. Und ich bin auch mutig und oute mich an dieser Stelle: Ja, ich mag Musical-Filme. Warum? It makes me feel good!

"Spectacular! Spectacular"

Grundlage ist wie gesagt eine Liebesgeschichte, die abgedroschener und dramatischer kaum sein könnte. Der junge Autor verliebt sich in die Kurtisane von nebenan. Die ist aber schnell abhängig von einem Duke, der sie dann nicht mehr freigeben möchte. Eine Dreiecksbeziehung, Mordversuche und eine tödliche Krankheit darf auch nicht fehlen. Too much for me! Aber das ist nicht so schlimm. Denn die Story ist für mich in diesem Film nur das Gerüst von dem aus Herr Luhrmann sein Feuerwerk abschießt.

Inszenatorisch ist nämlich alles erlaubt. Da wird tief in die Stilmittel-Kiste gegriffen. Zeitlupen, Zeitraffer, Schwarz-Weiß-Einlagen, Slapstick-Geräusche usw. usf.

Die Ausstattung könnte opulenter nicht sein. Aufwändige Bühnenbilder erwecken das hochstilisierte Paris von 1899 zum Leben. Alle Charaktere sind überzeichnet. Nur die Hauptdarsteller (Ewan McGregor und Nicole Kidman) dienen als Anker für das Publikum. Herr McGregor und Frau Kidman machen ihre Sache schauspielerisch gut und singen wirklich sehr gut. Wer Gesang in Filmen nicht so toll findet sollte die Finger von Moulin Rouge lassen, denn es wird mehr gesungen als gesprochen.

Und was wird gesungen? Das ist neben der Optik die zweite Herausforderung für den Zuseher. Er verwurstet gnadenlos bekannte Songs aus allen Musikrichtungen, steckt sie ins zum Filmgenre passende Musicalgewand. Coole sache, aber die Songs greifen oft derart schnell ineinander, dass es wirklich grenzwertig ist. Ich find’s lustig.

Insgesamt hat man das Gefühl, dass sich beim Regisseur seit seinem letzten Film unendlich viele kreative Ideen angesammelt haben, die er bei Moulin Rouge einfach raus lassen musste – sonst wäre er wohl geplatzt. Kleiner Wermutstropfen für den Männlichen Zuschauer ist die sich sehr dramatisch zuspitzende Story am Ende des Films. *räusper* Schnulz! *räusper*

8 von 10 Punkten

Taxi Driver

2011-06-19T14:10:00.012+02:00

Regie: Martin Scorsese
Darsteller: Robert De Niro, Jodie Foster, Cibyll Shepard
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Wenn dieser Film kein Anlass ist, einen Film-Blog zu starten, dann weiß ich auch nicht...

"You talkin' to me?"

Eigentlich ist es eine Schande. 28 Jahre zu warten bis man diesen Film das erste mal sieht – sehen „darf“. Scorsese’s Stil hat es mir schon immer angetan und kenne die meisten seiner Werke. Aber es gibt solche Filme. Filme, von denen man einfach weiß, dass sie gut sind. Sie gehen einem aber immer und immer wieder durch die Lappen. Bei Taxi Driver war das der Fall. Rückblickend betrachtet wirkt der großartige Bringing out the dead wie ein Spin-Off des gleichen Großstadt-Themas.

Der Film hat eigentlich keine nennenswerte Handlung. Das zeichnet ihn aus, macht ihn erst zu dem was er ist. Es geht um Impressionen und Gefühle – um die des Protagonisten und die des Zusehers. Über diesen Film kann man schwer schreiben. Er hat mich auf eine Art und Weise gefesselt, dass es mir schwer fällt, meine Gedanken zu ordnen.

Scorsese und De Niro sind seit Hexenkessel das Dreamteam schlechthin. De Niro spielt seine Rolle genauso wie Scorsese filmt. Melancholisch und doch direkt. Der ganze Film ist stilisiert und doch ehrlich. Harvey Keitel und Jodie Foster sind das Sahnehäubchen auf dem leckeren Kuchen, den Scorsese hier in einer schlaflosen Nacht gebacken hat.

Eigentlich würde es mir völlig reichen, die 113 Minuten mit De Niro im Taxi zu sitzen und dem Kaleidoskop aus verschwommenen Lichtern, Regentropfen auf der Windschutzscheibe, und vorbeiziehenden Passanten zu betrachten. Der Kameramann versteht sein Handwerk. Dazu das Brummen des Motors.

Obwohl nein, das reicht nicht ganz. Da fehlt noch das Saxofon. Eine markante kleine Melodie, die immer wieder präsent auftaucht und den Film mit seinen Charakteren regelrecht „umarmt“. Keine Ahnung warum, aber wäre New York bei Nacht ein Musikinstrument – es wäre ein Saxofon. Das klingt schnulzig, ist es auch irgendwie – auf eine gute Art und Weise. Gäbe es den Ausdruck „noir“ noch nicht, man müsste ihn für diesen Film erfinden.

Die Handlung? Mann hat nichts besseres zu tun und wird Taxifahrer. Ist bald von der rauen Realität angekotzt und wird melancholisch. Findet ein Mädchen (Cibyll Shepard). Verliert Mädchen. Will einer jungen Prostituierten aus dem Sumpf helfen (Foster). Wird depressiv. Kauft sich Waffen. Selbstjustiz ist angesagt. Ballert herum – Zuhälter und Konsorten sind tot. Ein Held. Ein ganz kleiner Held.

Wie Batman. Nur völlig anders...

Wichtig bei diesem Film ist, dass man sich Zeit nimmt. Den Film anzusehen ist eine intime Angelegenheit. Raum schön abdunkeln, Anlage aufdrehen. Der aktuelle Blu-Ray Transfer ist ausgezeichnet. Der Film hat das auch verdient.

Ein Meisterwerk. 10 von 10 Punkten

Vorhang auf

2011-06-19T14:03:00.001+02:00

"Du redest so viel über Filme. Heute hat doch eh schon jeder ein Blog. Warum schreibst du eigentlich kein Film-Blog?"

Weil es mir noch nie in den Sinn gekommen ist. Und weil ich auch "jeder" bin gibt es jetzt ein Blog mehr auf dieser Welt. Angeschaute Filme werden von mir jetzt gnadenlos verbloggt. Inhaltsangaben im klassischen Sinn gibt's nicht, das macht Kollege Wikipedia. Das hier ist ein 100% subjektives Filmtagebuch.